24 Reflejos por Segundo

La carrera hacia los Oscar: “La invención de Hugo”

2012-02-25T20:13:00.000+01:00

La carrera hacia los Oscar llega a su recta final, pero no queríamos que lagran noche del cine nos pillara sin haber visto la última de Scorsese. “Lainvención de Hugo” opta a 11 estatuillas, entre ellas mejor película y mejordirector. Es un particular homenaje al séptimo arte que rescata la figura deGeorges Mèlies, uno de los pilares de la historia del cine que dedicó su vida atransportarnos al mundo de la ilusión y los sueños a través de la granpantalla. Apta para todos los cinéfilos, nostálgicos, fantasiosos y amantes delos finales felices.

Cabría preguntarse cuántos terrones de azúcar de más se echó Scorsese en elcafé el día que decidió rodar “La invención de Hugo”… Y no lo digo a malas.Simplemente ha sido un agradable respiro en la trayectoria del director de películascomo “Taxi Driver”, “Uno de los nuestros” o “Gangs of New York” esta fábulatierna y optimista, esta película para todos los públicos y todos los gustos. “Lainvención de Hugo” rinde culto a los comienzos del cine a través de la historiade un niño que, tras la muerte de su padre, vive oculto en la gran torre delreloj de la estación de trenes de Montparnasse (París).

La obsesión de Hugo (Asa Butterfield) es arreglar cualquier maquinaria oengranaje estropeado, ya que para él es horrible que las máquinas no puedancumplir la misión para la cual fueron diseñadas. En especial Hugo anhelareparar un autómata, el único legado que le queda de su padre, pero no sabe queen el transcurso de esa misión se topará con la mismísima nieta de GeorgeMèlies. Juntos, los dos niños descubrirán la figura de este cineasta y mago(interpretado por Ben Kingsley) que quedó prendado del invento de los Lumière ylo llevó hasta el máximo de sus posibilidades.

Trazando este paralelismo con las máquinas, Scorsese recalca la misión parala cual Mèlies fue traído al mundo: Hacer cine. Hacer soñar al público con sus ilusionesópticas y sus historias rebosantes de creatividad e imaginación. Éste es suparticular homenaje y, como no puede ser de otra manera, lo lleva a cabo através de la fantasía, de la magia y de la ilusión. En un ambiente de cuentomagistralmente conseguido gracias a la fotografía y la dirección artística, “Lainvención de Hugo” nos cuenta esta historia en clave de humor y con muchosguiños literarios y cinematográficos. Vamos, que te deja con una sonrisa deoreja a oreja.

Merecen una mención especial las historias paralelas que, al más puroestilo Amélie, se suceden como telón de fondo entre los personajes de laajetreada estación de Montparnasse. Dotados de una excentricidad un pocoforzada a veces, estos personajes (muy bien interpretados, por cierto)enriquecen la historia y redondean el dulce (y tan dulce) pastel que nos ofreceScorsese.

Ante todo, “La invención de Hugo” es una película bonita en todos lossentidos. Es, desde luego, un regalo para la vista que nos deja increíblesimágenes y planos secuencia. Y también es un regalo para la memoria del cine yde aquéllos que imaginaron cómo sería poder contar cualquier historiaimaginable a través de un rollo de negativo y un proyector. He de reconocer queyo lloré un poquito de la emoción. 9

Las 'olvidadas' de los Oscar: 'Drive', 'Shame' y 'Melancholia'

2012-02-25T16:46:00.002+01:00

Hoy le dedicaremos el día a ‘las olvidadas de los Oscar’. Resulta desolador observar a las nominadas a Mejor película y que no haya nada que merezca realmente el título de MEJOR PELÍCULA del año. Una película de esas que al salir del cine dices: “sí señor, esto es la hostia”. De esas a las que pones un 9 o incluso un 10 en Filmaffinity, que comprarás el especial cuando salga en dvd y que pasará a formar parte de ese minúsculo grupo de películas a las que situarás entre tu top 5 de favoritas.

Pues si tenemos que hablar de películas que se acercan, y mucho, a esa percepción deberemos darle la espalda a nuestro amigo Oscar. Por un lado, tenemos a ‘Drive’, más que alabada por la redacción de 24 Reflejos por sus dos principales intérpretes: Ryan Gosling y Carey Mulligan (a quien tampoco han sabido valorar por su papel en ‘Shame’). También por su banda sonora, la ausencia de palabras y las persecuciones. En resumen: sexy, elegante y sangrienta. Se puede decir que su director, Winding Refn, ha hecho un muy buen trabajo. Pero el tío Oscar sólo se ha acordado de ella para resaltar su edición de sonido. Sólo una nominación.

En segundo lugar está ‘Shame’. Una delicia para el espectador, abalada por todos los festivales por los que ha pasado y cuya interpretación masculina, realizada por Michael Fassbender, ha sido una de las más premiadas desde su estreno en el Festival de Venecia. Su nominación en los Globos de Oro nos dio la esperanza de que estuviese también en los Oscar, pero además de que George Clooney, después de bromear con su pene, le ‘robase’ el globo de oro a mejor actor, no consiguió la nominación en los Oscar. Pero que quede claro, los Oscar no lo son todo y el público, sin duda, sabrá distinguir entre las mejores. ‘Shame’ no opta a ninguna nominación en los Oscar: ni actor, ni dirección, ni siquiera mejor película y qué decir de su fabulosa banda sonora, menos mal que ahí tenemos a Alberto Iglesias (por ‘El Topo’), al menos para no quedarnos dormidos durante la gala.

En tercer y último lugar 'Melancholia' de Lars von Trier que, en comparación con 'El árbol de la vida', esto sí es poesía y belleza traducido a imágenes. Otra que sigue los pasos de 'Shame', una interpretación más que brillante de Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg, una fotografía impecable y sensaciones al borde del éxtasis, pero sin ningún reconocimiento por parte de la academia.

‘Drive’, ‘Shame’ y 'Melancholia', tres de las mejores películas del año. Si aún no las has visto, ¿a qué esperas?

La carrera hacia los Oscar: 'El árbol de la vida'

2012-02-24T17:05:00.002+01:00

‘El árbol de la vida’ es, sin duda, la película más polémica del año. Nominada a los Oscar a Mejor Película, Mejor Director (Terrence Malik) y Mejor fotografía se puede adivinar que va a quedar relegada al olvido en la gala del próximo domingo.

Brad Pitt (nominado a mejor actor por 'Moneyball') y Jessica Chastain (a mejor actriz de reparto) son los protagonistas de la experimental obra poética de Malik. Una historia etérea, cromática y musical que desconcierta a todo aquel que se enfrente a ella.

Cuenta la historia de Jack (Hunter McCracken), un niño que vive con sus hermanos y sus padres (los ya citados Pitt y Chastain) en la norteamérica de los años cincuenta. Su madre encarna el amor, la ternura y el sufrimiento, mientras su padre representa la severidad y la intransigencia e intenta enseñar a su hijo cómo debe enfrentarse a un mundo hostil.

Esta es la sinopsis oficial que se maneja para hablar de ‘El árbol de la vida’, pero seguramente cada uno tendrá una interpretación diferente de lo que se proyecta en la pantalla dado lo onírico de la misma. Tras media hora de imágenes inconexas, dinosaurios, volcanes y demás maravillas de la naturaleza terrestre (contemplativismo al máximo) vemos aparecer a los seres humanos. Sí señores, media hora sin saber de qué nos está hablando Malik. Hay quienes iban preparados para la llamada “poesía visual” con la que se ha defendido la película, pero desde luego es el cine más diferente que se ha nominado a los Oscar, y aunque sólo fuese por eso, debería dar el cante y llevarse el premio a Mejor película. Sería todo un escándalo, cosa que no se lleva demasiado bien en el mundo hollywoodiense. Así que no temáis, detractores de ‘El árbol de la vida’, no va a ganar.

Las siguientes dos horas de película destacan por la combinación de diálogos (muy pocos) y música celestial (en abundancia). Malik demuestra su maestría con la cámara y consigue transmitir a través de los movimientos y bailes de la imagen una sensación de ingravidez y ligereza que hacen reconocer al espectador que está en manos de un gran director. Pero ello no evita que, al mismo tiempo, el espectador se canse de ver lo mismo durante esas dos horas. Tanta ligereza e ingravidez también genera bostezos y alguna cabezadita.

Como se suele decir en estos casos: “o te apasiona o la odias”, no hay término medio. Así que si eres el tipo de persona que quiere ver todas las películas antes de la gala, ya puedes reservarte un hueco para esta y decidir por ti misma. No te desanimes con la crítica, piensa que puedes ser uno de ‘los apasionados’ de ‘El árbol de la vida’. Por cierto, olvidé decir que Sean Penn también sale, muy poquito, pero sale. 4

La carrera hacia los Oscar: 'Mi semana con Marilyn'

2012-02-23T23:17:00.001+01:00

No podía faltar el biopic entre las películas nominadas de los Oscar 2012. 'Mi semana con Marilyn' es una candidata de esta edición, aunque sólo tenga dos nominaciones (Mejor Actriz y Mejor Actor secundario).

'Mi semana con Marilyn' es una película biográfica bastante al uso, muy clásica en su planteamiento, pero muy bien elaborada. Marilyn Monroe es un personaje tan puramente cinematográfico, icono de la cultura pop, que era un reto bastante grande construirle un relato coherente, honesto y fluido. Y sin embargo...

Con las memorias del tercer asistente de dirección durante el rodaje de 'El príncipe y la corista', la cinta elabora un relato sobre Marilyn, esa tentación rubia que tenía enloquecido a medio mundo, y Norma Jean, la inestable mujer que había detrás. Sir Laurence Olivier (muy bien interpretado por Kenneth Branagh) y su esposa Vivian Leight aparecen en la película construyendo un relato sobre las producciones de la época, el alcance de la fama de las grandes estrellas y lo que se esperaba de la Monroe en su época: que moviera el trasero con gracia y no diera más problemas.

Michelle Williams ha logrado convencer en la piel de Marilyn, y no era fácil. El lado más glamouroso, el más frágil, el más humorístico, el más infantil... todos ellos aparecen en la película, pero otorgándole una atención especial a su faceta de actriz. Demasiado guapa y demasiado rubia como para ser tomada en serio, con la costumbre habitual de llegar tarde a los rodajes y de volver locos a los directores (que le pregunten sino a Billy Wilder en 'Con faldas y a lo loco'), Marilyn Monroe ha pasado a la historia como un objeto sexual más que como una intérprete. Pero también hubo una actriz, una de las pioneras en usar el Método, y que ha dejado un montón de momentos más que memorables en pantalla.

La pregunta que cabe hacerse ahora es, ¿conseguirá hacerse Williams con el Oscar? No parece probable con la competencia que tiene: Glenn Close, y la favorita del mundo entero, Meryl Streep. Si bien la Streep ha demostrado ser la mejor actriz de su generación, y una de las más geniales que se recuerdan, el reto de Michelle Williams de revivir a Marilyn es mucho más épico, arriesgado y valiente que el de coger a una gran actriz asentada para lavarle la cara a una de las peores defensoras del capitalismo del siglo XX. Por una interpretación tan difícil, y aún así tan rica en matices, viva Marilyn, aunque muerta, y que se muera la Thatcher. 8

La carrera hacia los Oscars: 'Criadas y Señoras'

2012-02-22T12:18:00.001+01:00

Seguimos con la cuenta atrás hacia los Oscars y 'Criadas y Señoras', aunque no tiene un aluvión de nominaciones, se presenta con cuatro candidaturas, incluyendo Mejor Película. Una de esas películas políticamente correctas que tanto gusta en Hollywood y cuyo tema de trasfondo es el racismo, puede dar la campanada el próximo domingo. No subestimemos el poder de unas buenas lágrimas.

Mississippi, años 60, la segregación racial está presente en todos los aspectos de la vida, no se comparten con los negros los asientos, los lavabos, los cines ni los médicos. Sin embargo, toda mujer de clase media-alta tiene servicio doméstico de origen afroamericano. Les limpian, les cocinan, les crían a sus hijos, haciendo algunos de los trabajos más valiosos del hogar, y a pesar de ello la condescendencia y la superioridad por parte de las mujeres empleadoras está presente en cada minuto.

Todo estalla cuando Skeeter (Emma Stone) vuelve a la ciudad natal con el propósito de convertirse en escritora. En una reunión con sus antiguas amigas (ya casi todas casadas) le comentan su propósito de crear una normativa para instalar letrinas aparte, para que el servicio haga sus necesidades, para evitar el contagio de enfermedades. En ese instante Skeeter se dará cuenta de todo lo que tienen que soportar las mujeres negras, trabajando para mujeres racistas. Su propósito, a partir de entonces, será conseguir introducirse entre este colectivo para hacer un libro dándoles voz.

Divertida en ocasiones, con personajes ciertamente estereotipados, pero fácil de ver, es como se puede resumir esta película. Buscan la indignación del espectador con la muestra de las injusticias más descabelladas, y pocos podrán contener sus lágrimas. Una película hecha para los Oscars de las de toda la vida. Por ello, aunque lucha con The Artist (la gran favorita) en está categoría, no hay que perderla de vista.

Viola Davis como Aibileen

Viola Davis está nominada a Mejor Actriz, pero este año parece que está ya entregado a su admirada Meryl Streep. Su papel de criada resignada, maltratada y humillada, que vive una paradoja muy actual que consiste en criar a los hijos blancos de los demás, sin haber podido cuidar de los suyos, pero que aún así, vive con dignidad y fuerza, le ha dado su primera nominación a estos premios. Ella es la protagonista de la frase de la película, que repiten hasta la saciedad, igual de una forma un poco forzada, para convertirla en el eslogan del fim. "Tu eres buena, tu eres inteligente, tu eres importante" les dice a los niños que cría, que también tienen que soportar las frivolidades y vaivenes de la sociedad sureña de EE.UU de aquellos años.

Octavia Spencer y Jessica Chastain están nominadas por esta película en la misma categoría: Mejor Actriz de Reparto. Esta es la categoría con más posibilidades para esta película y abaticinamos que este año se lo puede llevar Chastain. La primera con un papel de criada con mucho orgullo y bastante mala leche, acabará trabajando para la segunda. Jessica Chastain hace de mujer explosiva, algo tontorrona y de orígenes cuestionables. Cuando se casa con uno de los solteros de oro de Mississippi, las mujeres la excluirán de sus círculos. Ella encuentra en Octavia Spencer una ayuda y una amiga.

Solo faltas unos días para saber si finalmente alguna de estas mujeres se vuelve a casa con alguna de las preciadas estatuillas, pero habrá que esperar al 26 de febrero. 6

Albert Nobbs. Andrógina Glenn Close

2012-02-21T11:03:00.001+01:00

Glenn Close, coguionista y protagonista de esta película, luchará, una vez más, por el Óscar el próximo domingo. Sin embargo, con la dura competencia de Meryl Streep como la "dama de hierro", es posible que tenga que conformarse con la sexta nominación.

Sin embargo, si alguna vez ha tenido alguna oportunidad es con 'Albert Nobbs' de Rodrigo García, donde su papel de inocente mayordomo, le proporciona una posibilidad ideal para optar al Óscar (ya sabemos cómo les gustan a los académicos las actrices afeadas y envejecidas por su personaje).

La película 'Albert Nobbs' es una historia de sueños y esperanza en el ambiente triste y hostil de la Irlanda victoriana, donde ser mujer dificulta tanto la vida que llega a ser una garantía de infelicidad. Como ya apuntó Glenn Close en la rueda de prensa en el Festival de San Sebastián (donde fue galardonada con el premio Donostia por su carrera), Albert Nobbs es una historia sobre la supervivencia. Y eso, exactamente es lo que trata de hacer su personaje.

'Albert Nobbs' cuenta la historia de un perfecto mayordomo en un pequeño Hotel de Dublín que dedica su vida a ahorrar para abrir su propio negocio. Todo cambia en su vida una noche en la que se descubre que es una mujer y conoce a otra persona en una situación similar. De repente, otra vida se abre ante sus ojos y su mundo perfectamente estructurado se tambalea.

Este simple argumento lleva en la vida de la veterana actriz desde hace 20 años cuando interpretó 'Albert Nobbs' en Broadway. Desde entonces, lleva queriendo trasladar la historia a la gran pantalla. Las numerosas dificultades en el camino (sobre todo de financiación) han resultado que haya tenido que esperar hasta ahora para poder producir, coguionizar y protagonizar la película. Por todo esto, la actriz reconoció estar muy orgullosa por haber sacado el proyecto adelante con pequeñas inversiones de novatos. "Ni un sólo penique ha salido de Hollywood", declaró Close en San Sebastián.

Glenn Close y Janet Mcteer en una escena de la película

Asimismo, en relación con su papel, habló de la cuestión de género dentro del mundo de la actuación: "En Hollywood es más fácil sobrevivir como hombre. Cuando cumples los 30, empiezas a desaparecer, y de paso desaparecen papeles de mujer fuerte. Es problemático para las mujeres, yo he tenido suerte en ese mundo. Siempre he pensado que si no me llegaban papeles, tenía que crearlos, que producir y levantar las películas yo misma".

Sin embargo, en 'Albert Nobbs' plantea un interesante punto de vista sobre el tema ya que, en algunas escenas de la película, el género biológico pasa a un claro segundo plano respecto al género social donde, el personaje de Albert Nobbs, deja de ser una mujer disfrazada de hombre a ser un hombre en un cuerpo de mujer. "Espero que la gente entienda cuando acabe la película que el género es irrelevante", comentó Close.

Glenn Close junto con Mia Wasikowska

Por otro lado, la película muestra una amarga visión del amor donde el utilitarismo y la soledad actúan como propulsores de fatídicas uniones. El matrimonio se convierte en asociación y el cariño en compañía. Con la excepción de una pareja de amor verdadero, el resto deja un nudo en el estómago.

Y es que, durante toda la película, el mayordomo Albert Nobbs tendrá un humilde sueño que se resume en su ingenua idea de lo que es querer y ser querido, pero esa misma inocente ambición será la que le lleve a la perdición en la clasista sociedad de la época, donde los papeles entre hombres y mujeres estaban claramente definidos. (7)

Goya 2012: Palmarés y gala minuto a minuto

2012-02-20T02:16:00.002+01:00

Esta edición 26 de los premios Goya, presentada por Eva Hache, ha cumplido las expectativas y no ha estado tan mal. Un inicio musical que ha pegado fuerte, ya sea por los múltiples desafines, lo hortera de la composición o lo surrealista de ver a varios actores dando la nota; pequeños videoconsejos de Cayetana Guillén Cuervo; el humor de Santiago Segura o el rap del Langui ha conseguido hacernos más ligera una gala que ha durado casi tres horas.

También el lado político ha estado presente: guiños al 15M y los recortes sociales (Eva Hache), en defensa de la educación pública (Kike Maíllo) o la injusticia cometida con el juez Garzón (Isabel Coixet), han sido algunas de las reivindicaciones que se han podido escuchar por parte de nuestros artistas (así como la petición de más productores en Extremadura por parte de un espontáneo).

José Coronado, Enrique Urbizu y Juan Artero
en la alfombra roja

Podría haber sido peor. No ha habido sorpresas. Los premios se han repartido de forma muy equitativa entre las ‘grandes’ de la gala. Enrique Urbizu ha triunfado con ‘No habrá paz para los malvados’ con nada más y nada menos que 6 Goyas (mejor película, mejor director, mejor actor protagonista, mejor guión original, mejor sonido y mejor montaje). Con empate a 4 quedan ‘La piel que habito’ y ‘Blackthorn’. Con 3, ‘La voz dormida’ y ‘Eva’ y el pleno de ‘Arrugas’ con dos de dos. Habría que destacar el merecidísimo premio a Elena Anaya (mejor actriz), María León (mejor actriz revelación), Ana Wagener (mejor actriz de reparto) y el Goya de Honor a Josefina Molina.

A continuación el minuto a minuto vía Twitter, no os lo perdáis, hay frases dignas de memorizar:

Empezamos!!! Preparaos para la 26 edición de los #PremiosGoya
Número musical para empezar! Esto tiene buena pinta#PremiosGoya
Desafinan, pero este glamour hortera de musical tiene su gracia
"Seguro que Boyero me arranca la piel", el verso del año!!!
Banderas, Belén Rueda y hasta Almodóvar cantan! Esto es de traca.
Monólogo de Eva Hache poco cinematográfico, muy sobre la crisis, pero mejor que los vídeos parodias tan terribles #PremiosGoya
Aplauso merecido para Silvia Abascal tras padecer un ictus durante el Festival de Málaga #PremiosGoya

Emocionada Silvia Abascal recuperada tras un ictus
Mejor Interpretación Masculina de Reparto para...LLuis Homar por Eva!! Primer premio de la noche #PremiosGoya
Lluís Homar se está pasando con un discurso demasiado emotivo...para él claro!
Carlos Areces presenta premio de Cortometrajes. Qué actor tan majo!!! "Yo también puedo hacer cine sin enseñar el ojete"#PremiosGoya
Mejor Cortometraje de Ficción para 'El Barco Pirata', aunque 'El premio' es buenísimo #PremiosGoya
Mejor Cortometraje Documental para 'Regreso a Viridiana' de Pedro González Bermúdez
Por fin alguien que se toma en serio los discursos de agradecimiento. Gracias y "Viva Buñuel" #PremiosGoya
Mejor Cortometraje de Animación para 'Bird Boy'
"Todavía tengo fe en el cine español después de este premio ja-ja-ja-ja" y su número de cuenta: Agradecimiento de los de Bird Boy
Mejor Maquillaje y Peluquería para 'La piel que Habito'
De momento 1 premio para 'Eva' y otro para 'La piel que habito', va lenta la noche #PremiosGoya
El chiste de cambiarse la voz entre presentadores y la careta no ha tenido... ni media gracia
Mejores Efectos Especiales para 'Eva', segundo Goya para la película. No empieza mal...#PremiosGoya
La ESCAC y Escándalo Films están que enhorabuena con EVA. Bien por ellos! #PremiosGoya
Mejor Montaje para 'No habrá paz para los malvados', el primer Goya para la de Urbizu...cuántos faltarán? #PremiosGoya
Mejor Actriz Revelación para María León por 'La voz dormida'#PremiosGoya
"Y si hablo mucho es mi momento y ya está". Muy sincera María León, un premio esperado pero merecido.
Discurso del presidente de la Academia
de Cine, Enrique González Macho
Llega el momento discurso del Presidente de la Academia... ¿qué dirá Enrique González Macho?
"El cine español es un enfermo crónico con salud de hierro", por la vicepresidenta Judith Collel
"Todos somos internautas", pero... Enrique González Macho: "Internet no es una alternativa"
El presidente alude en el discurso a Alex de la Iglesia. ¿Quién no le echa de menos? #PremiosGoya
El Langui actuando! "El patio de butacas diga CINE" Y se unen Javier Gutiérrez, Juan Diego, Resines…
El rap, segundo momento surrealista de la noche. Pues no está aburrida la gala, al final
Mejor Canción Original para 'Nana de la Hierbabuena', segundo Goya para 'La voz dormida'
Mejor Música Original para Alberto Iglesias por 'La piel que habito ' que este año también compuso la bso de 'El Topo' #PremiosGoya
Mejor Sonido Directo para 'No habrá paz para los malvados'. Se pone interesante la noche. Empate a 2 para las 4 grandes de la gala
Empate a dos Goya para 'La piel que habito', 'No habrá paz para los malvados', 'La voz dormida' y 'Eva'. 'Blackthorn' la gran desaparecida..
Más vídeos de Eva Hache infiltrada en las películas... ¿No se cansarán de este recurso? #PremiosGoya
Mejor Actriz de Reparto para Ana Wagener por 'La voz dormida'
Wagener le hace un guiño a Garzón en su discurso... Con una película como 'La voz dormida', estaba a huevo
Mejor Dirección de Producción para Andrés Santana por 'Blackthorn', ya era hora. Primer Goya para el film con 11 nominaciones#PremiosGoya
Lo de Woody Allen nominado por guión es de TRACA
Mejor Guión Original para 'No habrá paz para los malvados' y ya van 3 Goya...
Mejor Guión Adaptado para 'Arrugas', merecidísimo premio
"Habéis roto el tabú de que una peli de animación sólo pueda competir en la categoría de animación", Ignacio Ferreras director de Arrugas
Mejor Dirección Novel para Kike Maíllo por 'Eva'
"Yayo, ganamos mundiales y hacemos películas de robots, este país no lo conoce ni la madre que lo parió!". por Kike Maillo
Mejor Dirección de Fotografía para 'Blackthorn'
Llega uno de los grandes, ¿será para Verónica Echegui o para Elena Anaya? chan chan chan...
Jorge Sanz y Victoria Abril presentan el Goya/Oscar/Cesar a mejor actriz. vamos!
Mejor Interpretación Femenina para Elena Anaya por 'La piel que habito', lo sentimos, Verónica...
La ganadora del Goya a mejor actriz: Elena Anaya (EFE / BALLESTEROS)
Santiago Segura se queja de que nadie ha entendido el arte y ensayo de Torrente 4. "Sólo por poner a Kiko Rivera a trabajar..."
“Siempre se nomina a una estrella internacional para que de glamour, pero luego se van con una mano delante y otra detrás". Grande Segura!
El discurso está siendo para retwittearlo entero. "¡Banderas tiene un chalet en Marbella y está casado con Melanie Griffith! ¡Que se joda!"
Santiago Segura ha cogido el papel de Ricky Gervais para la gala de los Goya. Ha sido lo mejor! #PremiosGoya
Josefina Molina, Goya de Honor.
Mejor Actor Revelación para Jan Cornet por 'La piel que habito', al final no se va a ir de vacío...
Lástima por los Primos, que se van de vacío en premios.
Goya de Honor 2012 para Josefina Molina...Bravo!!
"No permitamos que unos cuantos acaben con los sueños de todo un país" de una de las obras de Josefina Molina. Habrá que aplicarse el cuento.
Un premio dedicado a todas las mujeres cineastas y a CIMA, lástima que no pueda asistir a la gala...
La mejor noticia de la noche, Goya a Mejor Película de Animación para 'Arrugas', y suman 2...Bravísimo!
Mejor Dirección Artística para Juan Pedro de Gaspar por 'Blackthorn. Sin destino'
Parece que les ha entrado prisa, Mejor Diseño de Vestuario para Clara Bilbao por 'Blackthorn', otro más...ya van 4?
Mejor Película Documental para 'Escuchando al juez Garzón' de Coixet...guiño?
"Hubiera preferido que no hubiera paz para los malvados, pero parece que para algunos sí la hay", discurso de Isabel Coixet. Algo de reivindicación y crítica hacían falta
"Hubiese preferido no tener que hacer este documental, que las victimas pudiesen volver a encontrarse con jueces como Garzón..."
El ministro Wert no aplaude a Isabel Coixet ni su defensa de Garzón. Que le den capones los que le rodean, por favor
Sube un espontáneo. RT @decine21 Cualquiera puede colarse en el escenario de los Goya, el año que viene voy yo y promociono decine21
Mejor Película Europea para 'The Artist', ¿alguien se sorprende? Joder...
Mejor Película Iberoamericana para 'Un cuento Chino', anunciado por el protagonista de la misma: Ricardo Darín.
Mejor Interpretación Masculina para José Coronado por 'No habrá paz para los malvados', estaba cantado

José Coronado, ganador a mejor actor en esta edición (EFE / BALLESTEROS)
"Se me ha roto un botón del esmóquin de la emoción. ROCKANROLL". Primeras palabras de José Coronado
"Digo mojón por no decir mierda", Eva Hache sigue on fire#PremiosGoya
Y como preveíamos, 'No habrá paz para los malvados' es la ganadora de la noche con 6 premios. Pobre Almodóvar.
Aparecen espontáneos de ‘Anonymous’ en el escenario en protesta a la Ley Sinde. ¿Tan asquerosamente fácil es colarse en los Goya?
Mejor Dirección para Enrique Urbizu por 'No habrá paz para los malvados'...se veía venir...Y seguro que la peli también cae...
Último premio de la noche! Mejor película para...
'No habrá paz para los malvados', si al menos fuese cierto...

Con esto se termina esta la Gala de los Goya. Y todo el cine español (directores, actores, equipos técnicos y artísticos, productores...) tendrán que empezar a trabajar duro desde mañana para conseguir nuestro querido "pisa-papeles cabezón" en la siguiente edición. ¡Ánimo chicos!

Barómetro de los Goya: Mejor película para...

2012-02-18T20:02:00.082+01:00

Las 4 películas nominadas a Mejor Película en la Gala de Los Goya 2012.

Sólo faltan 24 horas para saber quiénes serán los galardonados en la 'glamurosa' gala del Cine Español. Urbizu, Gil, Almodóvar y Zambrano centrarán toda la atención por sus nominaciones a Mejor Película y Mejor Dirección. Desde 24 Reflejos os hacemos un repaso de las 4 nomidas y nos atrevemos a hacer nuestras predicciones.

'La Voz Dormida' (Benito Zambrano)

Es, sin duda, la película menos arriesgada y original. Presenta un drama histórico en honor a todas las mujeres que fueron encarceladas durante la posguerra española. La historia de dos hermanas, una de ellas en la cárcel, que luchan por su libertad. Para quienes hayan leído el libro, la película les dejará a medias. Zambrano se ha centrado en la historia de Hortensia y Pepita (María León, Concha de Plata) dejando a un lado las historias paralelas de cada una de las compañeras de prisión. María León es la favorita para llevarse el Goya a Mejor Actriz Revelación, porque lo que es mejor película y mejor dirección está más complicado.

'No habrá paz para los malvados' (Enrique Urbizu)

Es la favorita para esta edición de los Goya. La película de Enrique Urbizu ha gustado a público y crítica con su thriller policíaco actualizado. Muy bien rodada, la película tiene un brillante comienzo que sin embargo se va debilitando a medida que avanza el guión, y termina a duras penas, pero con un plano bestial (el protagonista junto a la piscina). Parece la candidata a llevarse más premios, sobre todo el de Mejor Actor para José Coronado: sería incomprensible que no se lo llevara.

'La piel que habito' (Pedro Almodóvar)

Una historia que cabalga cómodamente entre el terror, la ciencia ficción y el noir. Una versión personal del Frankestein de Mary Shelley visto desde los ojos del director manchego. Aunque en este caso, la creación del doctor deja de ser un terrible monstruo y es una obra maestra perfecta de la cirugía plástica que se resume en Elena Anaya (Mejor Actriz). Banderas (Mejor Actor) sigue al pie de la letra las indicaciones de Almodóvar en la búsqueda de una actuación con absoluta economía expresiva. Antonio Banderas es el gran olvidado de la Academia, ¿tendrá su premio esta vez? ¿ y Almodóvar? Elena Anaya se lo merece, pero cerca tiene a la que es para mí su única competidora: Verónica Echegui.

Blackthorn. Sin destino (Mateo Gil)

Un western dirigido por Mateo Gil y producido por su íntimo amigo desde la facultad de Ciencias de la Comunicación, Alejandro Amenabar, en una arriesgada apuesta del cine español. La película narra la historia de la vuelta a casa de una leyenda del oeste: Butch Cassidy al que, durante mucho tiempo se creyó muerto junto con su amigo Sundance Kid en Bolivia. Sin embargo, en su viaje conoce a un español que acaba de robar la mina de uno de los hombres más poderosos de Bolivia. Y ahí empieza la aventura...Habrá que esperar hasta el domingo para saber el resultado.

Shame vs. Shame: el espectador tiene la última palabra

2012-02-17T23:57:00.003+01:00

Esta tarde se estrena en toda España 'Shame', del británico Steve McQueen (no confundir con el fallecido actor). Película polémica que ha ido recogiendo premios por los diferentes festivales, pero que ha encontrado cerrada la puerta a los Óscar. Pocas películas han creado opiniones tan radicalmente opuestas en la redacción de 24reflejos. Os dejamos las claves de nuestra más ferviente admiración y nuestro más extremo rechazo.

La vibrante narración de la autodestrucción

Michael Fassbender. Su mirada. El control absoluto de un cuerpo puesto a la disposición de un guión, de un sentimiento, de una actitud…La combinación perfecta entre voz, gestualidad y cuerpo. Una interpretación vibrante.

McQueen regresa tras ‘Hunger’ para demostrar que es un maestro de la realización. Utilización perfecta de los silencios, encuadres arriesgados, coordinación perfecta entre sonido, imagen y movimiento. Por primera vez la música y los silencios impresionan y no dan sensación de aburrimiento.

Capacidad para crear situaciones íntimas, ingeniosas e incómodas a través de conversaciones universales y presentadas de la manera más cotidiana. Da al espectador la ventaja de liberarle de los límites de la palabra para dejarse llevar por la intuición. Destacar la conversación que tienen él y ella en el restaurante: sutil y divertida. Guión brillante.

Se dice que el tema es la adicción sexual. Sin embargo, profundiza mucho más. McQueen muestra a un hombre que se da asco, frágil y obsesionado. Oculta su ‘yo’ más personal para no someterse al juicio de los demás, se basta con él para criticarse y odiarse. La desesperación y la angustia le llevan a la autodestrucción. El sexo, tabú por excelencia en todo el mundo, se desnuda esta vez en la gran pantalla. Tanto que el debate sobre la interpretación de la historia puede generar diferentes teorías y finales.

La tensión y la claustrofobia aumentan minuto a minuto a través de una banda sonora espeluznante. Desde la inquietante interpretación de ‘New York, New York’ de Carey Mulligan hasta la 'suite' utilizada a lo largo de toda la película consiguen poner a flor de piel cada uno de los sentidos del espectador que vislumbra que todo está a punto de resquebrajarse pasando antes por el éxtasis más brutal. 10

¿Cuánto dura? pero... ¡sólo han pasado 23 minutos y cuatro planos!

El guión de 'Shame' se retuerce sobre sí mismo hasta el infinito, y deja correr el metraje de una forma exasperantemente contemplativa. Con tempo largo (muy lento), se dedica a dar vueltas y giros sobre el personaje y cuando (por fin) termina la película, no puedes evitar preguntarte, “¿De verdad se han atrevido a contarme durante toda la película la misma idea que se obtiene tras los 5 primeros minutos?” Al más puro estilo Sofía Coppola en ‘Somewhere’, no podemos dar más que un consejo para ‘Shame’: quédate con el tráiler.

Pretenciosidad. Con un guión que vende humo, ‘Shame’ se construye a través de planos largos, espectaculares, que se recrean en la soledad del individuo, las calles de Nueva York, las escenas de sexo… Su director, Steve McQueen, tiene bien aprendida la pretensión de cine autoral con la que firma cada uno de sus fotogramas. El clímax de ‘Shame’, con su ritmo ralentizado y música clásica, no es sino una ocurrencia del director para masturbar a su ego lleno de magnificiencia y genialidad. Cuánto daño ha hecho el complejo megalomaníaco de la Nouvelle Vague.

Completa falta de empatía del espectador al que sólo podrá atrapar unos minutos al inicio de la película por 'el primerísimo primer plano' de los encantos de Fassbender, pero que rápidamente, perderá al comenzar a sentir un desinterés por la historia de marcianos que le están contando. Un tema que podría llegar a ser absolutamente desvelador, se convierte en un circo en 'Shame' ya que no acabas exactamente de entender cuál es el trauma. Y sin embargo somos capaces de resumirte toda la película en una frase: la intención oculta pero evidente del autor de escandalizar realizando un paralelismo entre violencia y el sexo en el que el placer y el sufrimiento se confunden.

La premisa: escandalizar. Es lo que busca, su objetivo y su razón de ser y, para ello, usa recursos estilísticos y formales tan pretenciosos y conocidos que te pierden. Además, lo sentimos pero el sexo con prostitutas y entre hombres, ya no escandaliza a nadie.

Nada que recordar. Aparte de la escena de Carey Mulligan cantando New York, new york y el cabreo que provocó su visionado. Y es que, de haber sido un actor menos guapo y joven (un Danny de Vito), la película se habría quedado en un enfermo sexual acosando a mujeres pero, claro, como el actor es Fassbender que está como un tren, entonces se convierte en una película profunda sobre tormentos y obsesiones.

Cortos de Reflejos especial premios Goya

2012-02-16T14:40:00.001+01:00

Ya estamos en el tiempo de descuento para los premios Goya. El próximo domingo los nombres de los ganadores serán descubiertos. Tres son las categorías en las que los cortos son protagonistas, a continuación las repasamos y os ofrecemos algunos de ellos.

MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN

-“El barco pirata”, de Fernando Trullols. Con caras conocidas como las de Alberto San Juan, Raúl Arévalo y Antonio de la Torre.

-“El premio”, de Elías León Siminiani. Ya destacamos este corto en la pasada edición del Festival de Málaga y es una de nuestras apuestas para esta categoría.

-“Matar a un niño”, de los hermanos Esteban Alenda. También lo pudimos ver el año pasado en el festival de Málaga y en los Goya llega como uno de los favoritos. Si le quereis echar un vistazo pinchad aquí.

-“Meine Liebe”, de Laura Pousa y Ricardo Steinberg.

MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN

-“Birdboy”, de Pedro Rivero y Alberto Vázquez Rico. Lo podéis ver pinchando en el enlace.

-“Ella”, de Juan Montes de Oca. Disponible en Youtube.

-“Quién aguanta más”, de Gregorio Muro.

-“Rosa”, de Jesús Orellana. Este trabajo ha causado muchas alabanzas y se perfila como uno de lo favoritos.

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL

-“Alma”, de Jose Javier Pérez Prieto. Si lo quereis visionar, pinchad aquí.

-“Nuevos tiempos”, de Jorge Dorado. Lo podéis ver en Vimeo.

-“Regreso a Viridiana”, de Pedro González Bermúdez. Este se sitúa entre los favoritos.

-“Virgen negra”, de Raúl de la Fuente.

Ranking: 10 cursiladas románticas para San Valentín

2012-02-14T15:07:00.002+01:00

Hoy es San Valentín. ¿Quién no odia San Valentín y su consumismo de estética kistch llena de rosas, lazos, corazones, ositos y demás? Ah, pero hay una baza en la que el romanticismo más cursi siempre nos gana la partida: ocurre en Hollywood. Si en tus pesadillas aparecen los anuncios románticos del Corte Inglés y te has burlado abiertamente de los gestos románticos de alguna pareja, pero has visto más de tres veces esa película en la que se inspiran, éste es tu ránking. Las redactoras de 24Reflejos nos atrevemos a nombrar esos guilty pleasures que son las películas románticas.

10. 'El Guardaespaldas'

Nos llamaréis oportunistas y tendréis razón. Pero con la trágica muerte de Whitney Houston el pasado fin de semana, no podemos dejar de hacer mención a una de las películas románticas por excelencia. ‘El guardaespaldas’ une thriller y amor a partes iguales. Una cantante de éxito (Houston) tiene lo que empieza siendo un admirador secreto y acaba convirtiéndose en un acosador peligroso. Por supuesto, todos son sospechosos a su alrededor. Contratan a un guardaespaldas (Kevin Costner) con el típico pasado que le atormenta. Las chispas saltan y el amor fluye. No es una gran película, pero es difícil olvidar a esta pareja y su romántica banda sonora. Os dejamos con la canción romántica por excelencia. Siempre recordaremos la prodigiosa voz de esta mujer.

9. ‘Amor Inmortal’

‘Amor inmortal’ es un biopic bastante desconocido y vapuleado por la crítica cuando se estrenó en 1994 que no puede faltar en nuestro ranking por sus altas dosis lacrimógenas. Dirigida por Bernard Rose, cuenta la vida de Ludwig van Beethoven, al que da vida Gary Oldman en una actuación reseñable.

Todo comienza cuando tras la muerte del compositor se descubre que éste ha dejado en su testamento todos sus bienes a su amada inmortal. Por ello, su discípulo tratará de descubrir a cuál de las tres mujeres de la vida de Beethoven le dedicó esta frase: “Mi ángel, mi todo, mi yo. Sólo unas pocas palabras escritas a lápiz...”

Así, en forma de flashbacks vamos conociendo a un hombre apasionado, genial y atormentado, a un amor imposible y a la sordera que le quitó lo único que le quedaba: la música.

Atrévete a descubrir con cuál de las tres mujeres habría podido ser feliz el compositor, (si las lágrimas te dejan ver la pantalla, claro).

8.'El diario de Noah'

'El Diario de Noa' se ha convertido en una de las películas más ñoñas de todos los tiempos. Cuando se estrenó en el cine, hordas de adolescentes fueron a verla dejando en el imaginario colectivo un fuerte recuerdo entre amargo y lleno de pasión. Una historia de un amor imposible, arrebatador, que te deja sin aliento. Sí, todos adjetivos 'horribles', dignos de la mejor película romántica. Ryan Gosling y Rachel McAdams se convirtieron en la pareja del momento. Ese beso bajo la lluvia mientras él le dice las cartas que le escribió cada día durante un año es memorable. De ahí que recibiesen el premio de la MTV al mejor beso.

7. ‘La bella y la bestia’

No se puede hablar de amor romántico en pantalla sin hacer una breve mención a Disney y toda la parafernalia sobre el romance que ha ido almacenando sin piedad en la mente de los más pequeños. ‘La bella y la bestia’ es quizás la película que mayor acento pone en la historia romántica, en la que la esperanza del amor verdadero esconde la posibilidad de la redención. Cumple el esquema de tantos amores cinematográficos: se conocen, se ven obligados a convivir, se odian, empiezan a congeniar, se enamoran, comen perdices para siempre. Y de paso cantan aquello de “Nace una ilusión, tiemblan de emoción, Bella y Bestia son”.

6. 'Una habitación con vistas'

‘Una habitación con vistas’ (1985) cuenta la historia de amor de una pareja diferente a los demás en la encorsetada y rígida Inglaterra. Ellos se conocen en Florencia, lugar que se presenta como la liberación y el sitio donde poder escaparse de los continuos juicios de valor, al menos mientras dura el viaje. Sin embargo, con la vuelta a casa surgen los problemas y la joven Lucy Honeychurch deberá armarse de valor para madurar y empezar a ser ella misma, tomando sus propias decisiones.

En esta película hay mucho que elogiar pero desde luego su mejor baza es su reparto. Una jovencísima Helena Bonhan Carter y un desconocido Julian Sands consiguen ganar al espectador con su candor y su naturalidad. Además, Daniel Day-Lewis hace una de las actuaciones de su vida siendo el prometido estirado y finolis al que odias desde el minuto uno. Sólo por los papeles secundarios merece la pena ver la película, y es que Maggie Smith, Judi Dench y Simon Callow se reparten el pastel con sus papelones dignos de ser recordado entre lo mejorcito del cine.

[SPOILER] Pero el verdadero motivo para entrar en nuestro ranking de cursiladas amorosas es esa preciosa escena final en la que, sentados en el alféizar de la ventana, con Florencia detrás, los amantes se comen a besos.

5. ‘Chocolat’

Romance, chocolate y Johnny Depp. Johnny Depp como un comerciante nómada gitano. Johnny Depp tocando la guitarra. ¿Hace falta explicar por qué esta película está en el ránking? Sale Johnny Depp.

4. ‘Shakespeare in love’

Esta película de época trata de dar respuesta a la auténtica incógnita de qué tenía en la cabeza William Shakespeare para crear la historia de amor más apasionada y dramática de la historia: Romeo y Julieta.

Para ello, nos cuenta la falta de inspiración del escritor inglés en el momento en el que debía escribir su obra cumbre. Sin embargo, encuentra a su musa, Lady Viola, y comienzan una intensa relación imposible, en la que ambos acaban perdidamente enamorados. A pesar de dañar toda su vida personal, consiguen dejar para la posteridad una obra de teatro con la historia de amor más imitada de todos los tiempos.

Ganadora de 7 Óscar, entre ellos a las mejores actuaciones femeninas para Judi Dench como Reina Isabel y Gwyneth Paltrow como Lady Viola (imposible olvidar su discurso pasado por agua). Pero, yéndonos a lo frívolo y matando el espíritu de San Valentín, el principal motivo para ver esta película es por uno de los personajes más sexies y macizorros de la historia del cine: el Shakespeare de Joseph Fiennes.

3. 'Moulin Rouge'

¿Quién no ha defendido la fotografía de ‘Moulin Rouge’ contra los que atacaban su sensiblería romántica? Seamos sinceros, por más que visualmente sea espectacular, lo que conquistó a todos los fans de ‘Moulin Rouge’ fue la tórrida historia de amor entre un joven escritor y la prostituta más laureada de su tiempo, con un París cabaretero y bohemio de fondo. Con ingredientes como las numerosas canciones, una enfermedad mortal y la idea de amor trágico y romántico, Nicole Kidman y Ewan Mc Gregor se consagraron como una de las parejas estrellas del cine.

2. 'Orgullo y prejuicio'

Si Shakespeare sentó base en cuanto a las estructuras narrativas en historias de amor, ya sean dramas o comedias, Jane Austen fue otra gran pionera. ‘Orgullo y prejuicio’ no es más que la historia de las dos hijas mayores de la familia Bennet y sus escarceos amorosos con los jóvenes caballeros que las pretenden y no dejan de meter la pata. Elizabeth Bennet, interpretada por Keira Knightley, es considerada una joven rebelde porque le gusta reír, leer y pasear a solas. El huraño Mr Darcy, primero mostrándole su desprecio, acaba por rendirse a sus pies, pero eso no será suficiente para cambiar la opinión que ella se ha formado sobre él. ‘Orgullo y prejuicio’ es todo un clásico de la literatura universal, que ha sido copiado hasta la saciedad (¿recordáis ‘El diario de Bridget Jones’?). La versión de 2005, dirigida por Joe Wright, es una gran adaptación de la novela que ha marcado a generaciones desde el siglo XIX.

1. ‘10 razones para odiarte’

Sin duda una de esas películas que tardas en confesar que has visto tantas veces que has perdido la cuenta. Una de las favoritas de la adolescencia y que aún hipnotiza. La excusa 'gafapasta' es que está basada en una obra de Shakespeare, la excusa quinceañera loca es que Heath Ledger y Joseph Gordon-Levit están geniales. Con cientos de topicazos, es verdad, pero como hubieses deseado que fuese tu instituto. Esta película aún da para más y dejó una de mis frases pastelosa de autoayuda favoritas: “No dejes que nadie te diga que no te mereces lo que quieres”. Y la super-escena de Heath Ledger cantando el ‘Can’t take my eyes off you’ por las gradas del instituto.

‘War Horse’: Spielberg vuelve a las trincheras

2012-02-10T16:00:00.018+01:00

Estoy harta de que se hagan las cosas por costumbre. Me refiero, en este caso, a alabar y nominar todo lo que sea de Spielberg únicamente porque lo haya hecho él. Vamos a ver, que sí, que es uno de los grandes del cine, que ha hecho maravillas como ‘Tiburón’, ‘E.T.’, las películas de ‘Indiana Jones’, ‘Los Goonies’ y ‘Parque Jurásico’ sin alejarse de un entretenimiento asegurado, de calidad y lleno de matices. Sí, también nos ha dejado joyas como ‘Salvar al soldado Ryan’ o ‘Minority Report’. Pero hay excepciones, como en la carrera de cualquier director, y ‘War Horse’ es una de ellas.

Joey, un caballo excepcional, y Albert, un joven campesino, se convertirán en amigos inseparables. La I Guerra Mundial les separa. Joey será un caballo de batalla: primero, con los ingleses; después, con los alemanes. La lealtad y la amistad salvarán todas las trincheras de la guerra para que Albert y Joey vuelvan a estar juntos.

Está claro que Spielberg sabe cuáles son las claves para el éxito en la gran pantalla y gracias a ello nos muestra unos paisajes infinitos, bellos y salvajes acompañados de planos que se recrean en ello y una música orquestal que te produce escalofríos. Y esto sólo con imagen y sonido al inicio del film. El problema es que la historia de lealtad entre un animal y un ser humano la hemos visto millones de veces plasmada en el cine. Todos los estereotipos imaginables, situaciones lacrimógenas y súper azucaradas hacen de 'War Horse' algo poco original, cansino y decepcionante.

En una entrevista comentaba que quería hacer una película para que “fuera toda la familia”, pero ¿cree de verdad que un niño se va a quedar mirando la pantalla sin dormirse durante 2 horas y 30 minutos? Su larga duración y su ambigüedad entre lo épico, lo bélico y lo infantil acaban por no agradar ni a grandes ni a pequeños. Sin embargo, la calidad de imagen, fotografía y de la banda sonora es brillante.

[SPOILER]Tiene una escena, de las pocas no excesivamente azucaradas, en que Joey (el caballo fiel) atraviesa un campo entre trincheras lleno de alambre con espinas (el espectador sufre como un marrano) y el caballo, aunque vivo, queda atrapado. Alemanes e ingleses, en mitad de la guerra, advierten lo ocurrido y acuden en su ayuda. Un soldado del lado inglés y otro del lado alemán entablan una conversación digna de resaltar. Lo surrealista de este momento y la conversación entre los dos soldados es lo más interesante de la película. 5

Minicríticas: 'Moneyball' y 'Los Muppets'

2012-02-09T21:34:00.000+01:00

'Moneyball' o la filosofía del deporte

No es una película de superación personal. No es otra película sobre béisbol. No es una sucesión de planos a cámara lenta a través del campo al más puro estilo Oliver y Benji. 'Moneyball' triunfa ahí donde muchas lo habían intentado, consiguiendo que salgamos del cine hablando de la filosofía del deporte sin que un atisbo de ironía se asome a la conversación.

Mucha culpa de esto tiene Aaron Sorkin. Como ya hiciera en 'La red social', este guionista consigue llevarse el gato al agua, transformando lo que era una premisa no muy atractiva en un maravilloso guión donde la acción transcurre con gran ritmo, envolviendo al espectador en la historia, y golpeándole con la dimensión humana del tema que se haya propuesto tratar. En este caso, 'Moneyball' habla del David contra Goliat de los equipos de béisbol, de la política que se vuelca en jugadores estrellas en vez de en el trabajo en el equipo, de las jóvenes promesas que terminan estrelladas.

Brad Pitt está magnífico como protagonista, demostrando que lleva unos años con muy buen ojo a la hora de elegir papeles. También sobresaliente Jonah Hill, quién le da réplica con soltura suficiente como para ganar el Oscar a mejor secundario al que está nominado. 7

'Los Muppets', un regreso por todo lo alto

Si a un reto se enfrentaba la nueva película de los Muppets era saber adaptarse a los nuevos tiempos sin defraudar por el camino a los espectadores que han crecido con la Rana Gustavo. No sólo han sabido sobrevivir a su propio mito, sino que la película además podría clasificarse como uno de esos clásicos infantiles que se repiten año tras año en televisión.

Aviso a los escépticos: no es 'Los Muppets' una película para aquellos que detesten el cine infantil, "ingenuo" o musical. Si en cambio se esperan grandes dosis de entretenimiento con toques educativos, humorísticos y algo sentimentales, esta es tu película. Los números musicales, excelentes; los cameos de actores famosos, muy bien dosificados; y el humor cinematográfico meta-referencial acaban por poner la guinda a una película que entusiasma como 'Toy Story 3', 'E.T.' o 'Chitty Chitty Bang Bang' hicieron en su momento. 8

Los videoclips de OK GO

2012-02-06T21:19:00.001+01:00

Si hay algo que los detractores de OK GO no pueden decir es que la banda no se curra los videoclips. Los de Chicago han publicado hoy mismo 'Needing/Getting', el videoclip de su último single, en el que recrean su música al mejor estilo "efecto-dominó", montados en un coche y utilizando un montón de cachivaches. Pero donde hay imágenes, las palabras sobran, así que vean:

Este alarde de creatividad no es algo infrecuente en la carrera de OK GO. Con una marcada identidad de vídeos originales, con trabajadas puestas en escenas y colores primarios, el grupo se ha construido una enorme fama en cuanto a videoclips se refiere.

Y cuando la presencia del cuarteto se hace escasa, cuentan con invitados caninos:

OK GO te podrán gustar o no, pero seguro que ya eres fan de sus vídeos.

Icíar Bollaín estrena 'Katmandú: un espejo en el cielo'

2012-02-03T18:45:00.001+01:00

De izquierda a derecha: el productor Larry Levene, las actrices Verónica Echegui y Sumyata Battarai,
la directora Icíar Bollaín y el productor Luis De Val

Esta tarde se estrena en toda España la nueva película de Icíar Bollaín : 'Katmandú, un espejo en el cielo'. En esta ocasión vuelve a brindarnos una película sobresaliente inspirada en el libro autobiográfico de Victoria Subirana. Esta barcelonesa, que se fue a Nepal a finales de los 80, cuenta las aventuras de una profesora que luchará para que se de una enseñanza de calidad a los niños, sin importar su origen.

La protagonista de la película que ha dirigido Icíar Bollaín tiene el nombre de Laia y está interpretado por Verónica Echegui. Esto le ha valido una nominación a los Goya, y no es de extrañar porque la actuación es fantástica. Además hay que tener en cuenta que se pasa hablando inglés más de tres cuartas partes de la película, y sale airosa siendo creíble en cada una de sus palabras. Por ello, animamos a todo el mundo a que vea en versión original la película, porque la amalgama de idiomas (español, nepalí e inglés) enriquece la película de una manera asombrosa.
Los actores secundarios también están espléndidos, destacando el debut cinematográfico de Sumyata Battarai, que hace de la maestra local que acompaña en todo momento a Laia. Tampoco podemos dejar de hablar de como es representado este país asiático, destacando los increíbles paisajes que muestra. Escenas que parecen rodadas en el fin de mundo, con montañas y extensiones que se pierden más allá de la mirada.

" ¿Porqué una educación pobre para gente pobre?"

Como decía la directora,Icíar Bollaín, esta película ha sido rodada en Nepal pero podría haberse filmado en cualquier parte, incluso aquí en España. La desigualdades y los niños con una escasa o nula educación, están presentes en todo el mundo. Sin embargo, que ocurra allí, sirve de pretexto también para hablar de la condescendencia occidental a la hora de tratar con países más pobres, o incluso de la terrible organización nepalí en castas, que relega a la pobreza a una parte de la población de forma irremediable. "El valor de la educación los constatas allí, si esto no cambia, un país no cambia. Cuando vuelves aquí, te das cuenta de lo que tenemos, hay que defender la calidad de la educación pública.", sentenció Bollaín en la rueda de prensa tras el pase de la película.

Pero no toca solo el tema de la educación y el papel fundamental del profesor, si no que también nos trae reflexiones sobre la situación de la mujer y el valor de la misma en la sociedad. A pesar de mostrar algunos de los temas más duros con los que se tiene que enfrentar esta joven maestra, la visión que ha querido dar Bollaín es, como nos tiene acostumbrados, alejada de la morbosidad, con la sobriedad justa para juzgar los hechos, sin recrearnos en ciertas escenas. Esta es una de las características de esta directora, que hace que algunos de los temas más complejos puedan ser presentados con fluidez, casi de forma sencilla, como en 'Te doy mis ojos' o 'También la lluvia'.

Sumyata Battarai e Icíar Bollaín

La historia que cuenta, en definitiva, es una historia de reinvención. El personaje de Verónica Echegui estaba abocada a trabajar en una fábrica, como todo su entorno hacía, pero decide irse a Nepal y consigue ser una profesora indispensable. Ella es capaz de dar esperanza y cambiar el destino de otros niños y mujeres, que también estaban abocados a una vida rodeada de pobreza. Un mensaje absolutamente positivo, que se agradece más que nunca con los tiempo que corren.

El regreso de los Muppets, una historia en 5 claves

2012-02-02T22:56:00.000+01:00

Si hay una pareja no humana que sobresalga en la historia del cine es, sin ninguna duda, la rana Gustavo y la cerdita Peggy. Lejos de ser un icono infantil olvidado de los 70, vuelven a las pantallas con toda la tropa de teleñecos ‘Los Muppets’ se estrena el viernes 3 de febrero en cines. Aquí van cinco clave de la historia de Gonzo, Rufo, Fozzie y los demás.

1. Títeres a lo largo de la historia

Los Muppets o teleñecos fueron creados en los 60 por Jim Henson, quien se acabó convirtiendo en el titiritero más famoso del siglo XX. Henson diseñó a sus personajes y les dio vida, sobre todo a la rana Gustavo, a quien manejó y puso voz hasta su muerte.

La primera de las películas de los Muppets que llegó a la gran pantalla fue ‘Los teleñecos van a Hollywood, la película’, en 1979. En este ejemplo de meta-cine, la rana Gustavo da la bienvenida a los teleñecos a una sala de la productora donde ven en primicia ‘La película de los teleñecos’. En ella, la rana Gustavo emprende un viaje a Hollywood en el que se va encontrando a sus compañeros (Fozzie, Gonzo, Peggy) en su camino al estrellato, perseguido por un malvado empresario dueño de una franquicia de ancas de rana. Después de varias aventuras (secuestros y persecuciones incluidos) Gustavo y los suyos consiguen llegar a las oficinas de un jefazo de Hollywood, que les proporciona un contrato para ser “ricos y famosos” y hacer su película.

Fue la primera de muchas. ‘El gran golpe de los teleñecos’ o ‘Los teleñecos conquistan Manhattan’ vendrían después. ‘Los teleñecos en Cuentos de Navidad’ es quizás la más popular de sus películas, que adapta a los títeres la fábula navideña de Dickens.

Desde 1996, han hecho otras adaptaciones como ‘La isla del tesoro’ o ‘El mago de Oz’.

2. La otra vida en televisión

Pero si por algo son famosos los teleñecos, aparte de su vida en la gran pantalla, es por su paso por televisión en el mejor programa infantil jamás creado: ‘Barrio Sésamo’. En la primera película de los Muppets, la rana Gustavo se cruzaba en la carretera con Caponata. “¿Te llevamos?”, se ofrecía. “No, gracias, voy a Nueva York a probar suerte con la PBS” (televisión pública estadounidense). A los teleñecos les fue bien en televisión, aumentaron la familia con Coco, el monstruo de las galletas, Epi y Blas, el Conde Draco y tantos otros, creando una televisión infantil ejemplar que nos enseñó cosas tan básicas como el valor del amistad, la diferencia entre cerca y lejos o la experiencia de vivir en feliz vecindario.

3. La herencia musical

Algo que nunca ha faltado en el mágico universo de los Muppets es la música. Desde su debut cinematográfico, que terminaba con el hit ‘Rainbow connection’, hasta su propia versión del ‘Bohemian Rapsody’ de Queen, las canciones y el estilo de cine musical están muy presentes en la narrativa de los teleñecos, y la nueva película no es una excepción: no por nada ha sido una de las únicas dos nominadas a mejor canción en la próxima edición de los Oscar.

La Rana Gustavo, en la emotiva canción convertida en clásico ‘It’s not easy bein’ green’, (no es fácil ser verde).

4. ‘Los Muppets’ de 2012

En ‘Paso de ti’, esa comedia romántica absurda y gamberra, la aportación de Jason Segel (Marshall en ‘Cómo conocí a vuestra madre’) no se limitó a sugerir su desnudo frontal en la escena de la ruptura. También sugirió la idea del musical de Drácula con títeres que dirige su personaje. La empresa Jim Henson Company se encargó de diseñar a los personajes de la obra, y a Segel se le encendió la bombilla. Acabó siendo protagonista y co-guionista de la nueva película de los teleñecos, en la que los Muppets deberán recaudar 10 millones de dólares para salvar su teatro, que va a ser demolido por un malvado empresario en búsqueda de petróleo.

5. El regreso de las marionetas

Con el auge de la animación de Pixar, el cine infantil ha dejado de lado a las marionetas. Desde la muerte de Jim Henson (también director de ‘Los Fraguels’, ‘Cristal Oscuro’ y la peli de culto ‘Dentro del Laberinto’) y la tecnología punta del motion capture, las marionetas han desaparecido del panorama. Sólo por eso hay que dar la bienvenida a una gran producción como ‘Los Muppets’. Ojalá que no defraude.

'Promoción Fantasma' o Regreso al Pasado

2012-02-01T18:32:00.002+01:00

Los años 80, a parte de dar una estética un tanto cuestionable, dieron una serie de películas para un público joven que se han convertido en referentes para los nuevos directores, guionistas y productores. 'Promoción fantasma' bebe de todo esto y además nos trae a Raúl Arévalo, Joaquín Reyes, Carlos Areces y a todo un elenco de guapos y jóvenes que nos divertirán con un humor 'typical spanish'.

¿De qué va?

Un profesor que ve muertos (Raúl Arévalo) será la única esperanza para la directora del colegio Monforte (Alexandra Jiménez) para que dejen de pasar cosas extrañas en las aulas. Lo que descubrirá este inseguro y ninguneado profesor será a cinco alumnos que murieron en 1986 y que no pueden pasar al otro lado hasta que descubran su "asignatura pendiente".

Bajo la sombre de los clásico juveniles

Alexandra Jiménez y Raúl Arévalo
en una escena de Promoción Fantasma

Lo que diferencia a esta película de otras parecidas que se han estrenado en nuestro país es que tiene un buen guión. Los personajes y las actuaciones están a la altura, tal vez menos destacables los actores más jóvenes, pero no están mal(Jaime Olías, Aura Garrido y Andrea Duro son las caras televisivas que pretenden arrastrar a un público adolescente). La estética es absolutamente estadounidense, pero sin duda porque es todo un homenaje a las películas que se lanzaron en EE.UU hace ya tres décadas. Pero esta vez, y probablemente sin que sirva de precedente, copiamos bien. El personaje de Modesto (Raúl Arévalo) comienza con un recuerdo, esta vez noventero, de la fiesta de graduación en su cole, mientras todos sus compañeros bailan Saturday Night. y que acabará como uno de sus momentos más bochornosos. Tras esta escena, y alguna más suelta en la película, nos acordamos de Carrie, esa adolescente a la que le hicieron la vida imposible sus compañeros. Otras de las películas que se nos acerca a la memoria cuando pasan los minutos, tanto por atmósfera como estructura de guión, es la mítica Regreso al Futuro. Pero, a pesar de tener tantos títulos alusivos, la película de la que probablemente más se fija es del fim de culto 'El Club de los cinco'. Los cinco chicos que se quedaron castigados en 1985, son casi calcados a los que murieron mientras, casualmente, también estaban castigados en la biblioteca del colegio Monforte. Pero no solo los personajes se parecen, si no que imitan escenas míticas de este clásico juvenil.

Según sus guionistas, no solo se han fijado en películas que formen parte de una época para dar personalidad a este film, si no que han ido más allá y hasta los personajes tienen referente, como es el caso de la directora (Alexandra Jimenez) cuyo nombre es Tina, y no por casualidad, si no como un homenaje también a la cómica estadounidense Tina Fey.

Nada está dejado al azar (aunque existan algunas inexactitudes con años y música) y en verdad, para ser una película de las llamadas comerciales, se agradece. Su director, Javier Ruíz Caldera, ya había realizado una película de corte similar, pero en aquella ocasión homenajeaba a las denominadas 'spoof movie' dando una vuelta de tuerca a las películas de nuestra patria. Hablamos de 'Spanish movie' que tuvo tantos retractores como seguidores. En esta ocasión, la película deja de lado ser un parodia de según qué cintas y se convierte en una película de humor en sí misma. Le auguramos éxito de taquilla a este film que se estrena este viernes, o al menos así lo esperamos, porque el cine español también necesita películas entretenidas que le gusten a la gente joven y vayan a verlas al cine.

'J. Edgar', biopic clásico del cine actual

2012-01-30T11:59:00.000+01:00

Parece que estamos en temporada de biopics de ancianos conservadores con corazoncito y, en su película, Clint Eastwood ha optado por retratar al primer director del FBI, J. Edgar Hoover.

Sin embargo, esta nueva apuesta, no ha tenido el mismo éxito en la Academia que 'La dama de hierro' ni su protagonista, Leonardo DiCaprio, (en una actuación adecuada pero modesta) ha recibido por su trabajo la misma veneración que Meryl Streep, por lo que, en contra de las expectativas, 'J. Edgar' no ha conseguido ni una nominación a los Oscar.

La película cuenta, con un exceso de maquillaje, la vida y obra del creador del FBI que, con una dudosa moralidad, consiguió acceder a información privada de miles de personalidades relevantes en los EE.UU. de la época. Esa información que recopiló mediante métodos no muy ortodoxos, le otorgó un poder que mantuvo durante los 48 años que estuvo al frente del FBI, sobreviviendo a los mandatos de los ocho presidentes diferentes que desfilaron por la Casa Blanca.

Sin embargo, este complejo entramado político, se queda en un mero rumor de fondo que acompaña a la historia personal de un hombre sexualmente reprimido por sus prejuicios y por su relación (con tintes de "director Skinner") con una madre castradora, interpretada magistralmente por Judi Dench. Así como nos muestra a un personaje humanizado por su debilidad y su obsesión paranoide con el terrorismo comunista y el anarquismo.

Todas estas características convierten a J. Edgar en un imperfecto animal que, en algunos momentos despierta hasta ternura, sobre todo por su longeva historia de amor con su hombre de confianza, Clyde Tolson, al que da vida Arnie Hammer (los gemelos de "La Red Social") luciendo mucho más que DiCaprio a lo largo de toda la película. Por cierto que, aunque parezca mentira a estas alturas de la vida, el beso entre ambos actores está causando un gran revuelo en los medios de comunicación (hay que ver lo puritanos que son estos estadounidenses...)

Leonardo DiCaprio, Arnie Hammer y Judi Dench en una escena de la película.

No obstante, y ahora llegan las críticas, una estructura narrativa clásica contada a base de flashbacks (que ya no sorprenden a nadie), un ritmo más bien lento y la planificación made in Clint Eastwood, hace que la película se haga pesada y que consideres que se está acabando más de media docena de veces.
Además, la importancia concedida a la vida personal de Hoover, impide profundizar más en la profesional, verdadero "leit-motiv" de la película, por lo que se queda coja mediante episodios inconexos de la historia de los EE.UU.

Un envejecido Leonardo DiCaprio.

Y, finalmente una reflexión que abrió debate entre la redacción de 24 Reflejos y que, espero que lo suscite en los comentarios, ¿por qué seguimos viendo la misma historia de los Estados Unidos de América una y otra vez desde los ojos de todas las personas que la vivieron y, por el contrario, desconocemos tanto de la historia del resto del mundo? Si eres capaz de enumerar la lista de todos los presidentes desde George Washington y, en cambio, no sabes quién gobernó antes de Felipe González, ves demasiado cine estadounidense.

Cartelera canadiense: The Girl With the Dragon Tattoo, Extremely Loud and Incredibly Close

2012-01-29T21:52:00.004+01:00

La entrada de hoy la voy a dedicar a dos películas que tienen bastante en común: ambas son adaptaciones de libros popularizados con anterioridad, las dos están dirigidas por realizadores altamente reconocidos y ambas producen una cierta decepción, quizá debido a la expectación creada por los dos puntos anteriores.

La primera, The Girl with the Dragon Tattoo (Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres) ya está estrenada en España y ha pasado bastante desapercibida por crítica y público. La segunda, Extremely Loud and Incredibly Close (Tan fuerte, tan cerca) se estrenará en marzo y ha obtenido dos nominaciones a los oscar, entre ellas la de mejor película.

The Girl with the Dragon Tattoo, dirigida por David Fincher (Seven, El Club de la Lucha, La Red Social), vuelve a contar la historia de Lisbeth Salander y Mikael Blomkvist que todos hemos leído y visto en su versión sueca. Lo único que varía en esta adaptación son sus actores (un frío Daniel Craig y una aplaudida merecida Rooney Mara), su mezcla extraña americo-sueca (¿por qué los personajes son americanos, viven en Suecia y ven las noticias en inglés?) y la manipulada relación creada entre Mikael y Lisbeth (¿por qué su especial y diferente conexión se convierte en una historia de amor? ¿Desde cuándo a Lisbeth Salander se le parte el corazón?).
Lo único que levanta la película y hace de ella un entretenimiento fácil de digerir es la realización creada por Fincher, con esa aura enigmática que cautiva en cada magnífico plano.

En cuanto a Extremely Loud and Incredibly Close, los fans de Stephen Daldry lloraremos durante años porque esta película no es ni mucho menos un Billy Elliot, un Las Horas o un El Lector. En su nuevo film, Daldry adapta la novela del mismo nombre escrita por Jonathan Safran Foer (cuyos seguidores quizá también sufran) centrada en un niño, cuyo padre muere en el 11S, que encuentra una enigmática llave a la que tendrá que dar un significado.

Mientras que en el libro se centra en la búsqueda y las personas que encuentra por el camino, la película pasa directamente a recrearse en la muerte del padre y el sufrimiento dejado en su hijo y su mujer. Aunque algunas escenas funcionan y la lagrimilla está a punto de caer, el melodrama asoma para exceder y romper con el clímax.

Eso sí, ¡ojo con el niño Thomas Horn!

Personajes: Leo y yo

2012-01-26T13:31:00.003+01:00

Las razones que me llevan a escribir este artículo no tienen nada que ver con los suspiros adolescentes que se escuchaban en las salas de cine cuando la cara de Jack, bien grande en la pantalla, se acercaba hacia la de Rose para susurrarle al oído “¿confías en mí?” y los dos enamorados se besaban encaramados a la barandilla del Titanic. Mi cariño hacia Leonardo DiCaprio empezó mucho después de todo eso, después de la fiebre 'Titanic' y de que la foto de este actor estadounidense colgara de la pared de toda quinceañera.

Bueno, quizás esto no es del todo cierto. Quizás Leo también colgó de mi pared algún día. Pero lo que hoy me empuja a escribir sobre él es que cuando todo el fenómeno “Leo-manía” se esfumó, lo que quedó fue un señor actor con una grandísima capacidad expresiva que, en mi opinión, nos ha dejado algunas de las mejores interpretaciones del cine de los últimos años. Y es que, puede que por reminiscencias de mi yo adolescente, o puede que por llevar la contraria a aquellos que afirman que un actor con cara bonita no puede ser un actor serio, defender el trabajo de Leonardo DiCaprio se ha convertido en mi caballo de batalla en las conversaciones sobre cine. Aquí van mis argumentos.

Leonardo DiCaprio ya apuntaba maneras desde pequeñito. Sus andanzas comenzaron en publicidad pero pronto se pasó a las series de televisión. Yo le conocí en 'Los problemas crecen', mítica serie de la infancia de nuestra generación (la de los veinteañeros), donde interpretaba a Luke, un chico un tanto conflictivo adoptado por la familia Seaver. Y es que los papeles de Leo siempre han girado en torno a personajes conflictivos o atormentados por su pasado o sus circunstancias. Prueba de ello son interpretaciones como las que tuvo en 'Diario de un rebelde', 'Romeo+Julieta' o 'La habitación de Marvin'.

Pero a pesar de ser un niño mono que encima interpretaba a rebeldes sin causa que se hacían irresistibles, la calidad interpretativa de Leonardo DiCaprio se pone de manifiesto en papeles mucho más difíciles como el de Arnie, el hermano discapacitado de Johny Deep en '¿Quién ama a Gilbert Grape?', una interpretación que, por cierto, le valió la nominación al Oscar.

Entonces Leo creció y tuvo que buscarse su hueco en la industria del cine. Tras el pelotazo de Titanic y su sambenito de estrella de moda, tardó en aparecer en papeles algo más serios. En mi opinión, el punto de inflexión fue 'Gangs of New York', de Scorsese, en la que interpretaba al líder de una de las bandas de los suburbios de Londres en el siglo XIX (actuación que pasó sin pena ni gloria). A partir de ahí llegaron sus mejores papeles: 'Diamante de sangre', 'Infiltrados', 'Revolutionary Road' y 'Origen' son para mí las mejores interpretaciones de la carrera de este actor.

Y todavía queda mucho. Habiéndo sido 3 veces nominado a los Oscar y 8 a los Globos de Oro (una de ellas ganador), ¿quién duda de que Leonardo DiCaprio es uno de los mejores actores del panorama actual? Bueno, pues aún así, todavía oigo a mi madre decir “no sé, es que con esa cara de niña que tiene… no me lo creo”. En fin, Leo, tal vez no pueda ser de otra manera. Tal vez pasarás a la historia como el galán de la película más pastelosa de todos los tiempos, o tal vez serás recordado como el amor platónico y entrañable de la adolescencia... Mientras sigas dejándonos grandes películas, a mí me basta.

Arrugas, de la viñeta a la pantalla

2012-01-24T16:10:00.004+01:00

Un hombre se entera de que el padre de su mejor amigo de la infancia tiene alzheimer. Se mira al espejo y se da cuenta de que se parece cada vez más a su padre, y éste cada vez más a su abuelo. Éste hombre es Paco Roca y ese es el germen de ‘Arrugas’.

La vejez. Qué es y cómo lidiamos con ella. Un anciano que tiene alzheimer vuelve a sus días como director de una sucursal de banco. En realidad, su familia le intenta dar la cena. Tira la bandeja. Acaba viviendo en una residencia de ancianos...

Del cómic a la pantalla

El cómic, publicado en 2007, ha viajado por el mundo traducido a más de cinco idiomas y ha vendido sólo en España más de 30.000 ejemplares, lo que es un éxito incomparable de ventas para un cómic. Ahora llega su adaptación al cine, que también podría llamarse ‘traslación’.

‘Arrugas’, la película, guarda completa fidelidad al cómic, en dibujo, guión y ritmo. Paco Roca ha trabajado codo con codo con Ignacio Ferrera y han creado una película fantástica, una película que guardar en la estantería junto con ‘Persépolis’ y ‘Vals con Bashir’, por citar otros dos buenos ejemplos de cómic convertidos en obras de animación para adultos.

‘Arrugas’ fue preseleccionada para los Oscar, pero no ha entrado en las candidatas finales. Cuenta con dos candidaturas a los Goya y se estrena este viernes en cines en España. Que transcienda, que consiga mucho público que se empape con esta dura historia de las residencias de ancianos, que promueva el debate, son los deseos que lanzamos a ‘Arrugas’. Es, aventurándonos a predecir imprudentemente, uno de los mejores estrenos de 2012.

CC MAD: Primer Festival de Creative Commons en Madrid

2012-01-22T11:57:00.003+01:00

Mientras los gobiernos de todo el mundo se esfuerzan por hacer de nuestra Red un lugar más “seguro” y convertirla en una réplica del actual mundo en el que vivimos, con su reparto equitativo de la riqueza (entre las grandes multinacionales y las grandes fortunas particulares), violando, de paso, todas las reglas básicas del liberalismo más salvaje al que adoramos; mientras los gobiernos del mundo nos tratan de explicar de forma meridiana cuáles son nuestras obligaciones y nuestros escasos derechos, alimentando al insaciable sistema penitenciario y nos educan en la más absoluta individualidad, creando ciudadanos cada vez más competentes y aislados; mientras los gobiernos del mundo hacen uso de su poder legislativo (que para algo les hemos votado), inventando nombres divertidos como SOPA o PIPA y nos protegen de nosotros mismos (y, de paso, protegen a instituciones honorables y democráticas que defienden los derechos de autor y jamás se lucran del trabajo ajeno); mientras sucede todo eso y mucho más, en Madrid tiene lugar el I Festival de Creative Commons.

Esta iniciativa, proveniente de Barcelona donde comenzó en 2010, tiene como objetivo ser un Festival en el que las películas mostradas se puedan descargar, copiar, remezclar, distribuir y proyectar de manera gratuita en cualquier rincón del mundo. Con esas premisas, se trata de conectar, de manera directa, al autor con el mayor número de espectadores posibles, usando para ello las facilidades de distribución que Internet aporta (aunque algunos todavía no quieran enterarse).

Gracias a este Festival, durante este fin de semana se ha podido disfrutar en la Casa Encendida de Madrid (de forma completamente gratuita y abierta al público) de una serie de obras maestras. A continuación 24Reflejos os acerca los mediometrajes que pudieron verse el sábado:

Vida diaria en Kabul, de Alberto Arce.

Este reportaje de 45 minutos, muestra cómo es el día a día en una la capital afgana donde, desde hace dos décadas, se sufre la guerra civil y los ataques de ejércitos extranjeros. El reportaje está compuesto por nueve cortos que, divididos en temáticas, nos acercan a diversas realidades de la ciudad como son las drogas, los heridos, el tiempo libre, el cine, el ejército o los controles de carretera. Pero, sobre todo, nos acerca a las personas que desde su humilde punto de vista tratan de dar soluciones y repuestas a las preguntas que surgen al ver tanta pobreza, buscando una paz que parece no llegar nunca. Al final, la mejor explicación a un tema tan complejo como es la guerra la tiene que dar un niño.

Os dejo la parte que muestra el cine en Kabul, por cuestiones obvias, pero podéis ver el resto de increíbles reportajes aquí.

California Dreaming, de Bregtje Van der Haak

Esta película surge como una iniciativa del gobierno holandés que, en una serie de pequeños documentales, hace un acercamiento a la crisis desde un planteamiento mucho más amplio de lo que estamos acostumbrados ya que, como señaló su directora, “Esta no es sólo una crisis económica. Es una crisis laboral, social, personal, psicológica...”.

Por eso, Bregte Van der Haak trata de huir de los consejos y explicaciones de los expertos para acercarse, en este caso, a una serie familias que viven directamente la crisis en la soleada y apacible California.
En el coloquio posterior, la directora planteaba preguntas que antes de la crisis no eran tan evidentes: “¿Cómo queremos vivir? ¿Cómo nos movemos? ¿Qué comemos? ¿Qué enseñamos? ¿Los niños son parte del problema o de la solución?” Y se alegraba de que nuevas iniciativas estuvieran surgiendo, haciendo especial alusión al Movimiento 15M, por el cual felicitó a España.

Os dejo en enlace de la página oficial aquí desde donde os podréis descargar el documental de 49 minutos (que merece mucho la pena) y donde podréis ver muchas más películas gratuitas unidas por la política del Creative Commons.

Maud and Leo, de Jonny von Wallstram, Tobias Rydin y Akram Janzi.

Es una roadmovie cuyo máximo objetivo es mostrar los increíbles paisajes del norte de Suecia en la zona de Norrland. De esta forma, acompañamos en un precioso Alfa Romeo a una mujer mayor tratando de cumplir la última voluntad de un suicida y a un joven vividor alimentado por sus propias historias. La fotografía de la película busca, en todo momento, alcanzar una poética visual, que haga disfrutar de la imagen al espectador, acompañado por una gran banda sonora.

Si queréis ver la película más pinchad aquí (aunque yo no he conseguido encontrarla).

An Island, de Vincent Moon.

Vincent Moon es un director famoso por sus videos musicales para artistas tan conocidos como R.E.M. o Tom Jones o por sus documentales como Changes in Rhythm que hizo para Coca-Cola en 2007. Sin embargo, en la mayoría de sus proyectos personales, decide pasar al lado oscuro del Creative Commons, con la seguridad que ofrece tener fidelizados a tus fans.

En este caso, Vincent Moon se lanza a la realización de un vídeo experimental junto con el grupo indie danés Efterklang. Durante los 45 minutos de duración, el sonido y la música tienen el claro protagonismo y el espectador podrá ver a los artistas en varias de sus fases creativas, ayudados por niños de una isla de la costa danesa e, incluso, por sus propios padres.

De esta forma Vincent Moon y Efterklang llevan a cabo este interesante planteamiento, donde el espectador puede conseguir el DVD de 'An Island' en su casa, pagando lo que considere justo, pero debe cumplir una serie de normas de visualización como que la película debe ser proyectada en un espacio donde haya, al menos, cuatro personas y, por supuesto, sin cobrar entrada.

Para ir a la página oficial pincha aquí ya que, aún, el proyecto está en activo y la película no está disponible por el momento en la Net.

Desde 24Reflejos queremos dar la enhorabuena a la organización del Festival CC MAD y esperamos que surjan muchas otras propuestas como esta, que muestren a los reaccionarios que hay alternativas que se adaptan a las nuevas relaciones existentes entre creadores y espectadores, rompiendo con el viejo paradigma anacrónico del derecho de autor.

Un thriller en medio de una guerra

2012-01-20T15:56:00.002+01:00

'Silencio en la nieve' se estrena esta noche en los cines de toda España, una gran producción de nuestro cine para empezar el año 2012. Nos presentan un thriller, donde Juan Diego Botto y Carmelo Gómez tendrán que averiguar el autor de una serie de asesinatos.

De izquierda a derecha: Juan Diego Botto, Gerardo Herrero(el director), Carmelo Gómez y Víctor Clavijo

"Mira que te mira Dios". Con este frase escrita en el pecho aparece el primer muerto que descubren, casi accidentalmente, los dos personajes protagonistas (Juan Diego Botto y Carmelo Gómez), quienes tendrán que averiguar quién lo ha hecho y porqué. Este es el punto de partida de la trama, nada original, si no fuese porque nos encontramos en la División Azul. Voluntarios de varios países que combatían codo con codo con la Alemania Nazi, entre ellos los falangistas, a los que pertenecen los personajes de esta película. Se encuentran en mitad de la II Guerra Mundial luchando contra los rusos.

Carmelo Gómez en el pase de prensa de Silencio en la Nieve

'Silencio en la nieve' está dirigida por Gerardo Herrero ('Territorio Comanche', 'Heroína'), quien ha puesto todo el peso de la película en los actores. Carmelo Gómez está fantástico como el Sargento Espinosa, pero sin embargo, no es suficiente, ya que la película tarda en arrancar y es fácil perderse entre los personajes. El film está basado en la novela 'El tiempo de los emperadores extraños' de Ignacio del Valle. A veces sientes que el principal fallo es que la adaptación de la novela a película no se ha hecho lo suficientemente bien y parece que no son bastantes las imágenes para explicarnos la historia, sobre todo el final, a pesar que los actores están bastante bien. El director también recalcó en la rueda de prensa en que hizo un especial esfuerzo para que sus ideas propias no interfiriesen en la trama. Herrero declaraba que "no quería hacer una película maniquea, era fácil por el tema de la División Azul, era una obsesión no presentar mal a los franquistas".

La motivación de los personajes a la hora de buscar al asesino, que continúa matando según pasan los minutos en la película, es compleja por la situación que les toca vivir. En palabras del autor de la novela la investigación "es una manera de mantenerse cuerdos, en un contexto sangriento, con situaciones que llevan constantemente a deshumanizarte...Arturo Andrade y el Sargento Espinosa buscan constantemente aquello que les ponga en contacto con su humanidad". La dicotomía entre el valor de la vida según cuando y donde mueras se polariza en esta película, donde buscar a un asesino en medio de una guerra resulta una motivación para seguir adelante.

El punto fuerte de la película es la ambientación. Rodada en Lituania, 'Silencio en la nieve' ha recuperado tanques, vestuario y motos pertenecientes al ejército nazi que hacen que visualmente la película quede redonda. Nos alegramos de que el cine español, por fin, invierta en dar credibilidad a la historia.

Ranking: 10 frases de cine

2012-01-19T21:18:00.004+01:00

La segunda edición de rankings, se centra en las mejores frases que ha dado el cine, esas que ya forman parte del imaginario colectivo. Las hemos repetido hasta la saciedad y con tan solo nombrarlas, hacemos referencia a un personaje, a un contexto o una idea, que muchas veces, sobrepasa a las mismas películas a las que pertenece. Estas son nuestras 10, ¿cuáles son las tuyas?

10. Terminator 2 / "Sayonara baby"
Terminator ha dado para mucha mofa y para muchas secuelas. El gobernador de California hacía su papel más emblemático y decía aquello de "sayonara baby" más chulo que un ocho. El doblaje de Constantino Romero nos jugó una mala pasada, ya que lo que dice en realidad es "hasta la vista", en un español casi perfecto.

9. Taxi Driver / "¿Estas hablando conmigo?"
Un jovencísimo De Niro se interpelaba a sí mismo delante de un espejo, ensayando una pose de lo más macarra. Dicen que esta parte de la película fue toda una improvisación. Solo uno de los grandes actores de la historia, aunque últimamente deje mucho que desear (¿Qué te pasa Robert?), podría interpretar uno de estos momentos emblemáticos.

8. Toy Story / "Hasta el infinito y más allá"
Buzz Lightyear llegó al cuarto de Andy con unas cuantas frases aprendidas de memorieta. Solo con Woody sabrá dar sentido a esta frase y nos dará una lección de lo que es la auténtica amistad.

7. El Sexto Sentido / "En ocasiones veo muertos"

Si en una película ponemos a un niño y a unos cuantos muertos, nos da unas cuantas escenas de mucho canguele. Este actor vivió su clímax profesional con 10 años y dejó aquello de que veía muertos entre las frases más imitadas.

6. James Bond / "Bond, James Bond"

Ningún agente secreto dice su nombre con tanta elegancia como este. Sean Connery, Roger Moore, Pierce Brosnan o, el más reciente, Daniel Craig. Da igual cuántas veces nos lo repitan, nos encanta que nos lo presenten.

5. Forrest Gump / "La vida es como una caja de bombones"
Forrest Gump es una de esas películas que tiene varias frases para recordar. Nos quedamos con aquella con la que prácticamente inicia la película. Pero tampoco nos podemos olvidar de aquella frase que gritaba Jane para que Forrest corriese más rápido que los abusones que le perseguían, o aquella con la que nos recordaba "Que tonto es el que hace tonterías".

4. Lo que el viento se llevó / "A dios pongo por testigo que jamás volveré a pasar hambre"

Una de las más épicas frases que ha dado el cine fue gritada por una Scarlett O'Hara que por fin aprendía lo dura que era la vida. Esa niña mimada que trae de cabeza a Rhett con su quiero y no quiero, se empoderó en Tara (el nombre de la finca) y juró aquello de que nunca más volvería a pasar hambre.

'Lo que el viento se llevó' no solo dejó esa frase para la historia. Rhett también tuvo una frase cumbre al final de la película cuando dijo "Francamente querida, me importa un bledo" en las narices de Scarlett. Sin olvidar el "Señorita Scarlatta" que hemos parodiado millones de veces.

3. Casablanca / "Siempre nos quedará Paris"
Es indiscutible que esta es una de las mejores películas de la historia del cine. Por ello, no solo está en nuestro podium de honor, sino que son varias las frases que podrían estar en este ranking. "Louis, creo que este es el principio de una bonita amistad", "Siempre nos quedará (tendremos) París" y "De todos los bares, de todos los pueblos del mundo, ella entra en el mío" son frases que están casi casi en nuestro día a día. Una de las frases más célebres es "Tócala otra vez, Sam". Famosa como pocas y curiosamente inexistente, ya que en ningún momento en 'Casablanca' se dice esta frase. La popularizó Woody Allen, pues es el nombre original de la película 'Sueños de un seductor', dónde el protagonista alucina con Humphrey Bogart. ('Play it again, Sam')

2. El Padrino / "Le haré una oferta que no podrá rechazar"
'El Padrino' sabía como negociar para proteger a los suyos a la vez que dominaba el cotarro. Marlon Brandon cerraba su carrera con uno de sus mejores papeles y nos hacía una oferta que no podíamos rechazar.

1. Star Wars / "Yo soy tu padre"
Con el punto álgido de 'Star Wars' abandonamos el Ranking de frases de cine. Con Constantino Romero lo abrimos y con Constantino Romero lo cerramos, "Yo soy tu padre", ha sido homenajeado, parodiado e imitado. Nosotros nos quedamos con el genuino Dark Vader (español).

La dama de hierro que resultó ser de mentira

2012-01-18T23:28:00.004+01:00

Primera secuencia de la película. Una señora mayor, con pañuelo en la cabeza, se dirige al Off-Licence de la esquina a comprar leche. Podría ser cualquiera, pero es Margaret Thatcher. La primera mujer Primer Ministro en Reino Unido. La primera líder femenina del mundo occidental.

‘La dama de hierro’, pretende, pues, el retrato de una mujer fuerte, dura e implacable que dirigió con mano de hierro el país durante once años. Pero esa mujer apenas aparece en la pantalla. A quien vemos es a una anciana incapaz de valerse por sí misma, que sufre alucinaciones con su difunto marido, y vive con la melancolía innata a la vejez.

Lejos de ser un pretexto para introducir a la vida de una líder clave en la historia de Inglaterra y Europa, los desvaríos de la vejez de una envejecida Margaret Thatcher ocupan buena parte del metraje, sin dar paso a la acción; narrando, de una manera contemplativa, su día a día.

Se trata de un ejercicio no poco cargado de compasión. Es difícil no empatizar con una mujer que ya no controla su vida, que añora a su compañero y no entiende el mundo sobre el que antes decidía. La directora, Phyllida Lloyd, juega con astucia sus cartas. Meryl Streep, una de las mejores actrices del momento (por no decir directamente la mejor), adorada por crítica y público, es una elección muy inteligente. Sin ella, que hace una interpretación tan brillante como a las que acostumbra, la película se hundiría sin remedio.

¿Por qué? Bueno, un biopic nunca puede distanciarse de la imagen de la persona a quien retrata. El retrato de Margaret Thatcher en ‘La dama de hierro’ es parcial, borroso y superficial. Pone todos sus esfuerzos en convertir en simpática a la política, mostrando sus ambiciones y especialmente las duras batallas a las que se tuvo que enfrentar por llegar a donde llegó. Pensaba que nunca vería a una mujer al mando del Gobierno y en cambio se convirtió en ella. Bajo este logro, Thatcher se redime. ¿Es suficiente esta reivindicación feminista para salvar al personaje? La directora parece creerlo. El espectador que conozca la historia de la Dama de hierro, puede no pasar por el aro. “Tengo una habilidad de mujer para aferrarme a un trabajo y continuar con él cuando todo el mundo se va y lo deja”, se defendía Margaret Thatcher, pero a la vez que afirmaba que la batalla por los derechos de la mujer hacía mucho tiempo que había sido ganada.

Un personaje odiado

“De Francia a Filipinas, de Jamaica a Japón, de Malasia a México, de Sri Lanka a Singapur, la privatización está en alza… Las políticas en las que hemos sido pioneros están expandiéndose de país a país”. Esta es una de las declaraciones de Margaret Thatcher que alberga Internet, se pueden ver muchas más para conocer al personaje. Si dentro de veinte años, en mitad de una crisis económica aún peor que la actual, se rodase una biografía sobre Angela Merkel o Esperanza Aguirre, humanizando la figura de cualquiera de estas dos políticas, figuras clave en la destrucción de los servicios públicos, si este presente se convirtiera en un pasado ficcionado, no querríamos contemplar un retrato como el de esta película. Un retrato que muestra de manera lateral los episodios más oscuros del mandato de la biografiada, dejándolos pasar de largo.

Lo que Thatcher logró

Las huelgas salvajes de los mineros, la destrucción de los sindicatos, una guerra que nadie entendía y que se llevó a un montón de jóvenes, revueltas sociales que ardían barrios y tantas otras historias no bonitas sucedieron el mandato de Margaret Thatcher, que asistía sin que le temblara un dedo a la muerte por inanición de presos irlandeses en huelga de hambre (entre ellos, Bobby Sands), mientras legislaba cosas como que se dejase de repartir leche en los colegios y ponía una verja a su vivienda en Downing Street para alejar a los manifestantes que no abandonaban su puerta.

La líder a la que Morrisey, Elton John y tantos otros lecantaban cosas como "¿Cuándo te morirás?", esa líder inteligente e implacable a quien los conservadores siguen adorando, no aparece apenas en ‘La dama de hierro’, que queda como un producto carente de sustancia. Incluso la parodia que hicieron Joaquín Reyes y los suyos en ‘La hora chanante’ contiene más verdad que la película.

Globos de Oro 2012, calentamiento para los Oscar.

2012-01-16T05:52:00.001+01:00

Acaba de terminar la Gala de los Globos de Oro, archiconocida como la "antesala de los Oscar". Esta edición se ha caracterizado por un reparto de premios muy equitativo, sin ningún claro triunfador.

'The Artist' se ha llevado tres premios, 'The Descendants', dos; y 'Homeland' ha sido la serie televisiva más galardonada con dos estatuillas. El palmarés ha tenido debilidad por los clásicos (Meryl Streep, George Clooney, Martin Scorsese, Kate Winslet) pero también ha habido lugar para las caras nuevas (Jean Dujardin, Octavia Spencer, Peter Dinklage).

En TV, muy variopinta la cosa: se llevan premio Iluminada, Downton Abbey, Juego de Tronos, Lurther, American Horror Story, Boss, Mildred Pierce y Homeland. Se van de vacío Boardwalk Empire y Breaking Bad.

Éste ha sido el minuto a minuto que hemos hecho en Twitter sobre la gala:

00.30. Nos vamos preparando para twittear los Globos de Oro en directo. A las 2 empieza la gala.

02.01. Empieza la gala con el esperadísimo monólogo de Gervais

Premio a Christopher Plummer, el padre gay de Beginners #Goldenglobes!
Laura Dern premiada por su interpretación en Iluminada. Un Hurra por ella!!! #GoldenGlobes la crítica en bit.ly/wcCPOf
El premio a Mejor mini-serie para Downtown Abbey, serie de la BBC y que 24reflejos ha apoyado, todo en bit.ly/zvyXLg
Oh dios mio! Kate Winslet se lleva el premio por su papel en Mildred Pierce. Merecidísimo!!! #GoldenGlobes
El mejor actor en serie dramática de tv es para Kelsey Grammer por Boss quien ya ganó otros dos globos por Frasier #GoldenGlobes
Vamos con la mejor serie drama ¡ánimo Juego de tronos!
Mejor serie drama para Homeland!!! De lo mejorcito de este año, una de nuestras recomendaciones en bit.ly/xhzO0f
Una lástima que American Horror Story no se lo lleve...habrá que esperar al de mejor actriz de reparto para Jessica Lange #GoldenGlobes
Llevamos 6 premios, casi todos de series y alguna sorpresa. Otra pausa en los #Globoscinéfagos
Vamos con el premio a mejor canción, presentada por el cantante de Maroon 5 #GoldenGlobes
Primer premio para The Artist!!!! Mejor banda sonora #GoldenGlobes
Ahora sí, mejor canción para W.E., dirigida por Angelina Jolie y compuesta por Madonna
Hubiese molado que fuera para Glenn Close por el esfuerzo en escribir la letra de la canción para Albert Nobbs...#GoldenGlobes
Madonna aprovecha el discurso para recordar que está centrada en su labor como directora (glups).
Premio a mejor actor de miniserie para Idris Elba, por Luther. ¿Alguien la ha visto?
Y ahora mejor actriz de musical/comedia...Michelle Williams, por My week with Marilyn! A ver si le ponen ya fecha de estreno en España.
"Me considero madre antes que actriz", ha dicho Williams en su discurso de agradecimiento, muy maternal y emocionada.
Merecido premio a mejor actor de reparto en TV a Peter Dinklage, de Game of Thrones
Arriba la casa Lannister, arriba Tyrion!!! #GoldenGlobes bit.ly/ypxbbz uno de los mejores personajes del libro y de la serie!
Por favor que no gane Rango bit.ly/AtI9H2 #GoldenGlobes
El globo de oro a mejor película de animación es para Tintín. Previsible, este año el nivel era bastante bajo.
Muy bueno el momento Mitchell sosteniendo el cartel de 'Whatever' frente a su compañero de reparto Cameron de Modern Family.
#GoldenGlobes Mejor guión para Woody Allen, Midnight in Paris, que por supuesto no ha ido a la gala!
Jessica Lange, premio a mejor actriz de TV con American Horror Story.
Por el momento, los premios están muy repartidos, nadie lleva ventaja. La gala, muy entretenida #GoldenGlobes
Tanto los #GoldenGlobes como #LosGoya han nominado a Midnight in Paris a Mejor Guión ¿casualidad? bit.ly/AeVmO5
Midnight in Paris se ha llevado el Globo de Oro a mejor guión, ¿se llevará también el Goya? Que nacionalidad tan complicada, la de esta película.
Vamos con la mejor película extranjera...Nader and Simin, a Separation! Fue una de las 10 pelis del año para 24Reflejos, así que nos alegramos mucho
Homeland, la primera serie en acumular dos globos de oro, mejor serie y mejor actriz! #GoldenGlobes
Mejor actor comedia TV para Matt LeBlanc, un Joey maduro y canoso en Episodes.
LeBlanc ha agradecido a sus productores el crear un personaje mejor de lo que él hubiese podido imginar ser como persona, enternecedor.
Sorpresa: Mejor actriz de reparto para Octavia Spencer, Criadas y señoras. Gran decepción para Berenice Bejo, de The Artist.
"Cualquier trabajo que ayuda a la humanidad da dignidad" palabras de la galardonada Octavia Spencer.
A tan solo 8 premios del final de la gala...#GoldenGlobes
Momento sentimental para homenajear la carrera de Morgan Freeman, bonito discurso de Sidney Poitier.
Helen Mirren se indigna por no haber compartido pantalla más que una vez con Morgan Freeman.
Seven, Invictus, Paseando a Miss Daisy y más de 40 películas a sus espaldas...Freeman sube al escenario entre aplausos.
Declaración de amor de Freeman a Helen Mirren: "el haberte conocido con una pistola en la mano hace que no quiera enfadarte", bromea.
Martin Scorsese se lleva el de mejor director por Hugo, su primera peli infantil y en 3D.
No la hemos visto así que no es prudente decir nada, pero vamos, la decepción de la noche.
Toque hispano con los presentadores Antonio Banderas y Salma Hayek, Gervais se mete con la pronunciación, Banderas contesta en español...
Antonio Banderas ha recitado a Calderón de la Barca exactamente.
La gran familia de Modern Family sale a recoger el Globo a Mejor serie TV comedia
Modern Family ha ofrecido el momento más divertido de la noche: traducción hilarante en inglés y en español con Sofía Vergara
Jean Dujardin, mejor actor por The Artist. Viva!
Era difícil esperar otra cosa: premio para Meryl Streep.
Meryl se ha quejado de no tener sus gafas para leer su discurso y el simpatiquísimo George Clooney ha hecho el chiste de acercárselas...
¿Quién se habrá quedado con las gafas de la Streep?
Mejor comedia, The Artist, que se merece lo mejor!
El equipo de The Artist irrumpe en el escenario. Lo mejor: Arthur, el perro!! #GoldenGlobes
Nada para Fassbender o Gosling, el Globo de Oro va para un clásico, George Clooney
George Clooney no ha podido evitar mencionar el desnudo integral de Fassbender: "Con eso podrías jugar al golf sin brazos". Sin palabras.
Harrison Ford presenta el último premio, el Globo a Mejor Película dramática.
Y el premio es para The Descendants, de Alexander Payne y George Clooney.

'Black Mirror': una asfixiante visión del nuevo mundo

2012-01-15T12:40:00.000+01:00

Ha ocurrido. Ha nacido una obra maestra y se llama ‘Black Mirror’. Sin palabras. Del creador de 'Dead Set' (la mejor serie de zombies hasta el momento - muy por encima de la alabada 'The Walking Dead'), Charlie Brooker, nos llega el mejor ejemplo de un proyecto audiovisual perfecto. Conseguir que el espectador acabe con el estómago revuelto y agonizante sin sangre ni violaciones. ¿Dónde está la clave? En redescubrir las debilidades del ser humano y meter el dedo en la llaga hasta destruirlo por completo.

Tan solo tres episodios. Historias diferentes. Realidades distintas. Las redes sociales y la tecnología como desencadenante. El ser humano como protagonista. No hay un solo episodio en el que el espectador no se lleve las manos a la cabeza. Empezaremos por el principio:

Episodio 1: The National Anthem – La parábola de la era Twitter

El Primer ministro británico se despierta sin saber que ese día se convertirá en su mayor pesadilla. La premisa es sencilla y surrealista: la princesa Susanah ha sido secuestrada. El captor ha colgado un vídeo en youtube con un testimonio de la princesa donde exige que, para salvarla, el primer ministro debe aparecer en la tele follando con un cerdo. El desarrollo presta especial atención a la opinión de la sociedad. La noticia se difunde por los medios de comunicación, se cree que es una broma, que sería humillante que el primer ministro lo hiciese, que debe haber otras formas de rescatarla, pero se trata de una vida humana y no de una cualquiera. ¿Cuánto vale una vida? Se plantea un dilema y no hay respuesta correcta.

Twitter será uno de los medidores de la opinión pública que afectará directamente a la decisión del primer ministro. Se habla de un nuevo terrorismo. No quieren dinero ni privilegios. Es más bien un juego muy sucio, el de medir hasta dónde es capaz de llegar el ser humano. Crítica a los medios, a la información, a la sociedad en su conjunto, a la necesidad de convertirlo todo en un espectáculo, de tener una imagen pública impune…Es brutal e indescriptible. El desenlace es aterrador.

Episodio 2: Fifteen Million Merits – La integridad tiene un precio

Bin se despierta en un entorno algo extraño para el espectador actual. El objetivo del ser humano consiste en subirse a una bici estática y pedalear para ganar puntos que se canjean por comida, por un pase a la fama o por algo de sexo y entretenimiento. Una manera de mantenerlos en forma. Todo, absolutamente todo, está ‘tecnologizado’. Estar gordo es motivo de discriminación y violencia y la gran aspiración para cambiar sus vidas es llegar a los 15 millones de puntos para adquirir un pase a ‘Hot Shot’, un programa al estilo Operación Triunfo con un Risto Mejide incluido.

No existe vida más allá de esas paredes, no hay cielo, ni mar, ni tierra. La claustrofobia llega a su máxima expresión unida a una agonizante historia de amor. Bin lo tiene claro, esa vida es una mierda y va a cambiarlo. Pero, ¿serías capaz de sacrificarlo todo por tus valores? He ahí la cuestión, la tentación suele ser demasiado grande y la ambición supera cualquier convicción y, una vez más, lo que parecía real se transforma en un producto más.

Episodio 3: The Entire History of You – Una realidad alternativa

Es, junto con el primero, el más angustioso. Los ‘recuerdos’ han sido herramienta de muchos argumentos. Un claro ejemplo es ‘Olvídate de mí’. En este caso la tecnología incrusta un sensor en las personas para que puedan grabar todos sus recuerdos a tiempo real, clasificarlos, guardarlos y recuperarlos en cualquier momento. Además, los pueden proyectar, rebobinar, hacer zoom y demás peripecias. Resulta hasta gracioso ver los problemas que esto puede causar. Por un lado, lo maravilloso de poder volver a disfrutar de aquellos momentos inolvidables y, por otro, seguir sufriendo con los más dolorosos.

Los recuerdos se convierten en un arma de ataque y defensa. Las discusiones dejan de tener sentido porque todo es demostrable y sometido a análisis. Las reuniones entre amigos se convierten en el mejor momento para visionar situaciones pasadas. Un bucle de celos, desesperación y desconfianza que culmina en la más absoluta soledad.

Y, al fin y al cabo, se trata de lo mismo. De cómo el hombre es una pieza de un juego cuyo fin es la destrucción y la humillación. Una serie que habla del control, del poder, de la naturaleza del ser humano y de sus debilidades elevadas a la máxima potencia. La inseguridad les acorrala y les lleva inevitablemente a sufrir su propia condena. Es difícil encontrar las palabras para descifrar el complejo lenguaje de este proyecto. La sensación de que las personas están dirigidas, controladas y manipuladas por algo superior, desconocido y abstracto y cuya fuerza es indestructible es algo que algunos han denominado “tecno-paranoia”. Las referencias de Charlie Brooker con su anterior trabajo, 'Dead Set', son evidentes aunque menos claras. El ojo que todo lo ve. Al más puro estilo de 'Gran Hermano', 'Un mundo Feliz' o '1984'.

Brooker explica que todos los episodios representan la manera en que vivimos actualmente. Y asegura que si la tecnología fuese una droga…”¿cuáles serían sus efectos secundarios?” ‘Black Mirror’ trabaja entre el desencanto y la disconformidad. “Su título, ‘black mirror’, lo encontrarás en cualquier pared, escritorio o mano: la pantalla del televisor, el monitor del ordenador o del smartphone” afirma su creador haciendo referencia a esa pantalla negra que no nos devuelve absolutamente nada, ni siquiera el reflejo de nosotros mismos.

'El Topo': una película de espías muy elegante

2012-01-13T11:00:00.001+01:00

Después de la maravillosa ‘Déjame entrar’ Tomas Alfredson regresa a la gran pantalla de la mano de Gary Oldman. Muchas expectativas y actores reconocidos daban por sentado que ésta sería una de las “grandes” del año. Sin embargo, sigo pensando que ‘Déjame entrar’ fue mucho mejor.

Años 70, en plena guerra fría. El fracaso de una misión especial en Hungría provoca un cambio en la cúpula de los servicios secretos británicos. Uno de los expulsados es el agente George Smiley. Sin embargo, cuando ya se había hecho a la idea de retirarse, le encargan una misión especial. Se sospecha que hay un “topo” infiltrado en la cúpula del Servicio y sólo alguien de fuera puede averiguar quién es. Con la ayuda de otros agentes, Smiley (Gary Oldman) irá recabando información y encajando las piezas para intentar descubrir al traidor.

Esto me recuerda a cuando un amigo te dice: “¿qué prefieres, que te de la buena o la mala noticia primero?” En esta ocasión elegiré yo y empezaré por lo malo.

Lo peor…

…un complejo entramado de secretos, apariencias y mentiras que no acaban de cuadrar. Más que menos después de haber visto tantas películas de suspense, espías y demás uno acaba esperándose cualquier cosa. Y esta no es diferente: es previsible, aunque para ello te mareen demasiado.

…algo lenta, disfruta excesivamente de planos descriptivos dramatizando el momento más de lo debido. Llega a hacerse algo larga.

…lo carísimo que está el cine.

Lo mejor…

…un elenco de actores que dejan sin habla: Gary Oldman (gran favorito para los Oscar y eso que todavía no se saben las nominaciones), Colin Firth, Tom Hardy, Mark Strong y un gran número de secundarios que bordan al milímetro su interpretación.

…la falta de gestualidad forzada de Gary Oldman se merece una mención especial. Increíble frialdad y serenidad ante situaciones de alta tensión. Único e inigualable.

…delicadeza y calidad ante todo. Cada escena es digna de ser mencionada por su fotografía, su cuidado y elegancia. Gran capacidad para transmitir la tensión, silencios brutales y efectos sonoros que marcan el ritmo de la película. Gran parte del mérito para la banda sonora sino toda.

…sin el vestuario esta película no sería apenas un ápice de lo que ha llegado a ser. Quien salga de la sala de cine sin haberse fijado en esos trajes de los años 70 se habrá perdido la mitad de la película.

Ni bueno ni malo, pero destacable:

Su director, Tomas Alfredson, director al que admiro por su obra ‘Déjame entrar’ eligió para la escena final en la que se resuelve todo el conflicto el tema ‘La mer’ de Julio Iglesias. Extraño, pero cierto. Y es un temazo. Se dice que puede ser en parte a la influencia de Alberto Iglesias creador de la banda sonora del film.

Cortos de Reflejos

2012-01-12T12:30:00.002+01:00

En la primera edición del año de Cortos de Reflejos volvemos a hacernos eco de la animación. Dos cortos totalmente distintos pero a los que merecen la pena echarles un vistazo por diferentes razones: no os los perdáis.

- 'El Empleo'. Con más de 120 premios a sus espaldas, se puede decir que este cortometraje argentino es de lo mejorcito que se ha hecho en los últimos tiempos. No hace falta ni una palabra para una reflexión tan devastadora.

- Vampire Bash, cambiando totalmente de tercio y para recuperar la sonrisa, un corto diametralmente opuesto. Este no ha ganado ningún premio y no hace ningún tipo de reflexión, pero es una lección de como en 5 segundos se puede contar una historia: con su principio, su nudo, su clímax y desenlace.

Los Goya 2012: nominaciones y ausencias

2012-01-10T15:32:00.003+01:00

Lluís Homar e Inma Cuesta tras la lectura de los finalistas.

Hoy la Academia de Cine ha realizado la lectura de las nominaciones de Los Premios Goya. Pocas sorpresas, poca variedad y algunas ausencias inesperadas. Sin embargo, se nota que es el mayor evento del cine español y los medios de comunicación han llenado la sala de prensa hasta arriba entre cámaras, ordenadores, gente sentada por las escaleras, etc. Los encargados de leer las nominaciones fueron Inma Cuesta (Mejor actriz) y Lluís Homar (Mejor actor de reparto) junto al presidente de la Academia, Enrique González Macho.

A la cabeza está 'La piel que habito' con 16 nominaciones seguida de cerca por 'No habrá paz para los malvados' (14),'Eva' (12), 'Blackthorn. Sin destino' (11) y 'La voz dormida' (9). Sin duda, Pedro Almodóvar vuelve a ser uno de los favoritos. Entre estas 5 películas se repartirán la mayor parte de los premios pesados de Los Goya.

La más olvidada de la gala de este año será sin duda 'Cinco metros cuadrados' ganadora en el Festival de Cine Español de Málaga como Mejor película, Mejor actor (Fernando Tejero), Mejor actor secundario y Mejor guión. Parece que los Goya han decidido ignorar el trabajo de Max Lemcke y de su equipo. Entre las ausencias más sonadas también están 'No tengas miedo' de Montxo Armendáriz con sólo una nominación, la de Mejor actriz revelación gracias a Michelle Jenner que compite en esta categoría junto a la premiada (Concha de Plata) María León por su papel en 'La voz dormida' y que seguramente recaiga en ella de nuevo. Siguiendo con la lista de ausencias nos encontramos a 'Mientras duermes', este thriller psicológico se ha quedado con una única nominación, aunque de gran peso, a Mejor actor por Luis Tosar. Otra de las películas que pasará de refilón por Los Goya es 'Primos' nominada a Mejor actor revelación por Adrián Lastra y a Mejor actor de reparto por Raúl Arévalo.

Isaki Lacuesta, quien generó un gran debate entre la crítica tras recbir la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián por su largometraje 'Los pasos dobles', se ha visto relegado a una única nominación por 'El cuaderno de barro' como Mejor película documental. Las cartas ya están echadas ahora solo queda esperar al 19 de febrero donde Eva Hache presentará la Gala de Los Goya.

Desde 24 Reflejos lamentamos que Las Constituyentes, documental dirigido por Oliva Acosta, se haya quedado fuera de las nominaciones y nos alegramos de las dos nominaciones merecidísimas que ha recibido 'Arrugas' a Mejor película de animación y Mejor guión adaptado. A continuación un resumen de las nominaciones más esperadas:

MEJOR PELÍCULA

'La piel que habito'. Pedro Almodóvar

'No habrá paz para los malvados'. Enrique Urbizu

'La voz dormida'. Benito Zambrano

'Blackthorn. Sin destino'. Mateo Gil

MEJOR DIRECTOR

Pedro Almodóvar. 'La piel que habito'

Enrique Urbizu. 'No habrá paz para los malvados'

Mateo Gil. 'Blackthorn. Sin destino'

Benito Zambrano. 'La voz dormida'

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA

Elena Anaya. 'La piel que habito'

Inma Cuesta. 'La voz dormida'

Verónica Echegui. 'Katmandú. Un espejo en el cielo'

Salma Hayek. 'La chispa de la vida'

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA

Daniel Brühl. 'Eva'

José Coronado. 'No habrá paz para los malvados'

Luis Tosar. 'Mientras duermes'

Antonio Banderas. 'La piel que habito'

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

Goya Toledo. 'Maktub'

Pilar López de Ayala. 'Intruders'

Maribel Verdú. 'De tu ventana a la mía'

Ana Wagener. 'La voz dormida'

MEJOR ACTOR DE REPARTO

Raúl Arévalo. 'Primos'

Lluís Homar. 'Eva'

Juanjo Artero. 'No habrá paz para los malvados'

Juan Diego. '23-F. La película'

MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN

María León. 'La voz dormida'

Blanca Suárez. 'La piel que habito'

Alba García. 'Verbo'

Michelle Jenner. 'No tengas miedo'

MEJOR ACTOR REVELACIÓN

Adrián Lastra. 'Primos'

José Mota. 'La chispa de la vida'

Marc Clotet. 'La voz dormida'

Jan Cornet. 'La piel que habito'

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

'Carthago Nova'. Primitivo Pérez, José María Molina

'Arrugas'. Ignacio Ferreras

'Papá, soy una zombi'. Ricardo Ramón, Joan Espinach

'The little wizard. O mago dubidoso'. Roque Cameselle

MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA

'Boleto al paraíso'. Gerardo Chijona (Cuba)

'Miss Bala'. Gerardo Naranjo (México)

'Un cuento chino'. Sebastián Borensztein (Argentina / España)

'Violeta se fue a los cielos'. Andrés Wood (Chile)

MEJOR PELÍCULA EUROPEA

'Jane Eyre'. Cary Fukunaga

'Melancolía'. Lars Von Trier

'The artist'. Michel Hazanavicius

'Un dios salvaje'. Roman Polanski

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL

'30 años de oscuridad'. Manuel Hidalgo Martín

'El cuadernos de barro'. Isaki Lacuesta

'Escuchando al juez Garzón'. Isabel Coixet

'Morente'. Emilio Ruiz Barrachina

Es el momento para ver aquellas que aún no has visto y empezar a hacer la lista de las favoritas. Aunque me temo que sin haberlas visto todas se podría decir quiénes van a recibir el premio. Aún quedan por estrenar 'Katmandú' de Iciar Bollaín y 'La Chispa de la Vida' de Alex de la Iglesia, ambas con muy poca presencia en las nominaciones. ¡Hagan sus apuestas!

'Drive' en cinco claves

2012-01-09T16:32:00.001+01:00

El pasado año mencionamos a Ryan Gosling en ocho entradas y a ‘Drive’ en cinco, entre ellas, ‘Las diez mejores pelis de 2011’. Ahora que ha llegado a las pantallas españolas aprovechamos para deciros porqué no podéis perderos esta cinta en cinco claves.

1. Ryan Gosling (otra vez). De las virtudes de este canadiense ya os hablamos anteriormente. Su personaje en ‘Drive’ no tiene nombre, se queda con el sobrenombre de ‘el conductor’, algo que no es nada casual en un protagonista completamente misterioso. Doble de películas de acción y conductor de atracos, el conductor es un enigma que apenas habla y se comunica con los espectadores a través de la impasibilidad de Gosling. Y le sientan bien la chaqueta de cobra y el palillo en la boca, todo un mérito.

2. Carey Mulligan. La co-estrella de ‘Drive’ es esta actriz inglesa, a quien ya viéramos en ‘An Education’ y ‘Shame’ interpretando a la vecina de al lado, con hijo y marido expresidiario. La química de Mulligan con Ryan Gosling y la maravillosa escena del ascensor (terriblemente destripada por el tráiler) ensalzan su presencia en pantalla.

3. Ausencia de palabras. Si bien el guión de ‘Drive’ no nos cuenta nada que no haya sido contado antes (el héroe maldito, la redención de la familia, el amor imposible…) tiene de su parte un maravilloso ahorro expresivo en palabras. Las imágenes y los silencios cuentan con elegancia un transcurrir de acontecimientos que rehuye la verborrea dialéctica de otros filmes.

4. La banda sonora. Los silencios son abundantes en ‘Drive’, pero se alternan con una banda sonora muy cuidada, que atrapa la atención del espectador. Cercana a esa estética ochentera que rodea la película, la música ha sido compuesta por Cliff Martínez, batería de los primeros Red Hot Chili Peppers. El clímax de la película suena con ‘A Real Hero’, la canción que los espectadores no se pueden sacar de la cabeza al abandonar la sala del cine.

5. Grandes secuencias de acción. Un error que se ha cometido con ‘Drive’ es confundirla con una película más de mafiosos y carreras de coches. El ritmo pausado del principio combina perfectamente con la brutal violencia de la segunda parte de la película, en un ejercicio que dignifica el género. Su director, Nicolas Winding Refn se llevó justamente el premio a Mejor Director en Cannes, demostrando algo que se suele olvidar: que persecuciones, coches, peleas y cine de autor no son temas reñidos en absoluto.

Semana de las Series: Enlightened (Iluminada)

2012-01-08T18:30:00.010+01:00

“A veces por la noche, visitada por el sueño y la vergüenza, tumbada en la cama pienso en la vida de otro. Imagino el amor que tienen. Y el alivio que se siente al ser conocido realmente. Los placeres privados que comparten. Los amigos que tienen y las presiones que no. La satisfacción de su trabajo. Imagino lo rica que es su vida. Y en esos momentos me siento vacía y querida”

No hay mejor manera de terminar esta semana de las series que con Enlightened (Iluminada) nominada a los Globos de Oro 2012 como Mejor serie de Comedia y a Mejor Actriz de comedia por su protagonista Laura Dern y así demostrar, una vez más, que la HBO sigue al pie del cañón.

¿De qué va?

Amy (Laura Dern) es una mujer de 40 años que trabaja en una empresa dedicada a cosméticos. Es despedida por un conflicto personal y laboral que acaba con un estallido de ira sin igual. Tras este incidente huye a una terapia a Hawai durante dos meses hasta estar recuperada. Su problema: controlar su ira. Vuelve a la ciudad convertida en una hippie, vive con su madre e intenta recuperar su puesto en su antigua empresa. Ella ha cambiado, pero el mundo sigue igual de enfermo.

¿Porqué hay que verla?

A esta serie, como a las personas, hay que darles tiempo para conocerlas. Los primeros capítulos son algo desconcertantes, tanto como la vida de Amy, pero poco a poco sale a la luz la magia de esta serie. Sí, puede sonar ridículo, pero esta serie tiene MAGIA. Además de ser capítulos muy cortos, lo cual favorece su visionado, el espectador tiene la sensación de estar entrando en la vida de Amy, apreciando en primer lugar todos sus defectos (nerviosa, incontrolable, egoísta) para poder disfrutar después de sus virtudes (llena de energía, optimista, impulsiva). Así es como Enlightened comienza a conquistarte. Una vez alcanzas el capítulo 4 ya nada te detendrá.

Personaje(s) destacable(s)

Amy es sin duda un personaje exquisito. Lo tiene todo. Carácter, ternura, ira, dolor, tristeza, esperanzas, ilusiones…Empatizar con ella es terriblemente fácil porque es excesivamente humana y con ello quiero decir que refleja perfectamente los debates morales y éticos que se tienen tanto en la vida laboral como personal. Poder escuchar sus pensamientos supone un descanso para el espectador. Pero Amy no sería quien es sin su madre (Diane Ladd - madre en la ficción y en la vida real), una mujer herida e incrédula en el amor y su exmarido (Luke Wilson), metido hasta las cejas de drogas y a quien no puede dejar de querer.

En realidad, más que una comedia es un drama- dramón. Algunos críticos han llegado a decir que es demasiado “deprimente”, pero por suerte habrá segunda temporada. Obviamente tiene sus momentos para sonreír, pero no como para denominarlo comedia. En fin, etiquetas las que queráis, pero vedla, dadle una oportunidad, no os arrepentiréis.

“A veces pienso sobre la vida de otro. Imagino todo el amor que no tiene. Veo la pasión que le falta. Los amigos que no conoce. En esos momentos me doy cuenta de lo mucho que tengo. Y lo mucho que tengo para dar.”

Semana de las series: Homeland

2012-01-07T18:00:00.002+01:00

En estos días de empeño en hacer listas sobre qué ha sido lo más destacable del año, nos bombardean con imágenes, vídeos, canciones, películas, y como no podía ser menos, series, en ese afán mediático y competitivo de poner nota y clasificación a algo tan variable como es hoy en día las series televisivas. Sin embargo, este año lo tengo claro, la mejor serie ha sido Homeland. Punto. Ha sido un año bastante innovador y refrescante, que nos ha dejado gratas sorpresas, y por encima de todas ellas sobresale esta joya, que con solo una temporada a sus espaldas hay que tratarla ya de usted, como una de las grandes.

¿De qué va?

Homeland es un drama de espionaje y conspiración, con clara influencia de obras como 24, pero más cerca en alma y estilo a The Wire, escueto de acción, pero con un ritmo que atrapa, impregnado de tensión desde el primer momento, basado en su sobresaliente guión y la profundidad de sus personajes. Su historia se centra en la aparición del soldado americano Brody capturado bastantes años atrás y encerrado en algún agujero de Irak, convirtiéndose en un héroe mediático y todo un icono nacional, pero que tiene que volver a una vida y familia que le daba por muerto y a la que no será fácil readaptarse. Pero detrás de Brody se encuentra Carrye, una destacada investigadora de la CIA que años atrás recibió en información que un soldado americano caído en Irak se había pasado al lado enemigo e iba a ser introducido en suelo americano paro crear una célula terrorista. Carrye piensa que Brody es ese caballo de Troya.

¿Porqué hay que verla?

En Homeland no sobra nada, cada uno de sus episodios nos sorprende y nos deja con ganas de saber más, de conocer las respuestas a los múltiples juegos de la historia. Siempre contando con unos personajes reales y creíbles que caminan entre la línea del bien y del mal, por la lógica ambigüedad humana que puede aparecer en las situaciones extremas creadas a lo largo de los doce capítulos de esta temporada. Toda una delicia para amantes de las tramas de espionaje y suspense que gusten de dejarse atrapar por las sorpresas que nos trae una historia que se desarrolla de forma brillante.

Personajes:

Como ya he dicho anteriormente, uno de los pilares del alto nivel de Homeland son sus personajes, sobre todo la pareja protagonista que forman la agente Carrie (Claire Danes) y el sargento Brody (Damian Lewis), los cuales acaban creando una relación de empatía personal y atracción mutua, fruto de sus trastocadas personalidades, dentro del juego del ratón y gato en que se encuentran. Y es que Carrie es un personaje que no deja indiferente a nadie, ese afán de descubrir la verdad que solo ella intuye, cueste lo que cueste, la hace entrar en una espiral autodestructiva fruto de su inestable mente bipolar. Tengo que reconocer que soy totalmente adicto a Carrie, uno de los personajes más interesantes con los que me he encontrado, que ha dejado a final de temporada escenas memorables. Seguramente Claire Danes se merezca alzarse con todos los premios habidos y por haber de este año, con permiso de Jessica Lange.

Perspectivas de futuro
En resumen: una primera temporada redonda de principio a fin, con un final que deja con ganas de más, pero que ha hecho evolucionar la trama de manera fluida sin marear demasiado la perdiz. Veremos si saben mantener el ritmo en futuras temporadas, y nos siguen manteniendo en tensión semana tras semana. Sin duda esta primera temporada de Homeland ha sido lo mejor del año.

Semana de las Series: American Horror Story

2012-01-06T18:33:00.002+01:00

American Horror Story, del creador de Nip & Tuck y Glee, se apunta a los Globos de Oro 2012 con sus nominaciones a Mejor serie dramática en televisión y a Mejor actriz secundaria por Jessica Lange. El suspense se mantendrá hasta el 15 de enero, aunque viendo a sus competidoras directas es difícil que gane (Boardwalk Empire, Boss, Homeland y Game of Thrones).

¿De qué va?

La familia Harmon se muda a un gran caserón y comienza a experimentar cosas extrañas. El matrimonio Harmon está sumido en una crisis debido a una infidelidad y su hija Violet es una joven algo introvertida que sufre bullying en su nueva escuela. Pronto comenzarán a conocer las vidas ocultas que guarda la casa y a interaccionar con los muertos.

¿Por qué hay que verla?

Su llegada a la televisión ha causado sensación. La crítica no para de halagar esa mezcla de terror, misterio, sensualidad, erotismo y cierta comicidad. Para los amantes de lo macabro y el terror esta serie será como una montaña rusa, tiene capítulos impresionantes y otros más bien flojos, pero aunque sólo sea por esos momentos en la cima, merece la pena. Para los enamorados de ese lado sexy y erótico que siempre va unido al terror, van a poder disfrutar de grandes escenas, aunque podrían haber apuntado más alto. Y, aunque no se trata de una comedia en sí, hay momentos en que lo terrorífico roza lo cómico y, sintiéndolo mucho, eso estropea el clima, pero indudablemente todos estos ingredientes han conseguido convertirla en una de las series más sonadas de final de año. Lo que sucede al ver esta serie es que sientes que estás ante algo muy bien hecho, con efectos visuales alucinantes, a veces con un ritmo trepidante y con personajes que te dejan completamente enganchado.

Personaje(s) destacables

Tate (Evan Peters).

Y justamente sus personajes son los que hacen una delicia de cada episodio. El tándem Violet & Tate (Taissa Farmiga – sí, la hermana pequeña de Vera- y Evan Peters) son la viva imagen de lo amargo del amor y de lo dulce de lo macabro. Pero Tate se lleva la medalla de oro. Sin este chaval la serie se caería. Símbolo del mal, de la locura y de la muerte se convierte en uno de los personajes más entrañables, dulces y misteriosos. Nunca sabes qué es verdad, si miente o si sencillamente está loco. Es quien pone en jaque a todos los personajes de la serie. Sin duda dará que hablar porque su interpretación y su presencia son destacables.

Constance interpretada por Jessica Lange.

No se puede hablar de American Horror Story sin hablar de Constance (Jessica Lange). Se trata de un personaje superior, es decir, siempre está un paso por delante de todo lo que sucede. Una mujer madura, elegante, atractiva, malévola y egoísta. En cualquier cuento sería la ‘bruja’, pero aquí consigue hacer de su personaje la piedra angular. Sufrida, llena de dolor y pena siempre resurge repleta de poder y confianza en sí misma. Viendo el final de la primera temporada ya podemos adelantar que habrá un nuevo personaje que (¡ojalá!) eleve los niveles de sangre, sexo y terror de la serie.

Semana de las series: Misfits

2012-01-05T23:32:00.004+01:00

En esta cuarta entrega de la semana de las series, y continuando con las producciones británicas, hablamos sobre la tercera temporada de Misfits, una serie que hizo furor entre los adolescentes ingleses y que también se ha hecho un hueco en nuestro país. En 24Reflejos ya quisimos resaltar su calidad más allá de mero fenómeno “teenager”. Hoy nos reafirmamos.

De qué va:

Misfits arranca con un grupo de cinco adolescentes que se conocen en un programa de servicios a la comunidad. Todo parece normal hasta que estalla una extraña tormenta que dota de poderes especiales a los protagonistas y a otros personajes que se irán encontrando a lo largo de la serie.

Y os preguntaréis, ¿cómo puede dar resultado esta mezcla tan surrealista? A simple vista, este argumento no augura una serie muy atractiva… Pero Misfits cautiva desde el principio. Nos encariñamos con los personajes, vemos la evolución de su amistad y nos sorprendemos con algunos giros de la trama. En esta tercera temporada hay algunas novedades como la llegada al grupo de Rudy, un nuevo joven con un curioso poder, el descubrimiento de quién es el enigmático traficante de poderes, las historias de amor de los protagonistas o sus nuevos poderes.

Por qué hay que verla:

Lo mejor de Misfits es el guión y los personajes. Los diálogos tienen un humor irónico y gamberro que encaja a la perfección con las situaciones absurdas y surrealistas en las que se ven envueltos los personajes. Éstos, muy bien representados por cada uno de los variopintos actores del reparto, son también el fuerte de la serie. Si bien la tercera temporada se ha visto algo perjudicada por la marcha de Nathan, sin duda el personaje más carismático de la serie, cada uno de los personajes tiene una complejidad interna que se ve reflejada en los distintos poderes que van adquiriendo. La fotografía y la banda sonora completan este panorama, sin olvidarnos por supuesto del encanto del acentazo inglés de todos los actores. ¡Prohibido verla doblada en español!

El personaje:

Sin poder olvidarnos de Nathan, el gran descubrimiento de las temporadas 1 y 2, en esta temporada destaca el personaje de Kelly, interpretado por Lauren Socha. Combinación genial de peinados horteras, acento cerrado y aires de “gallita”, la quinqui del extrarradio londinense, desmonta desde el principio el estereotipo de tía pasota y busca-peleas, resultando ser uno de los personajes más sensibles y con más personalidad. También es, con diferencia, la más valiente del grupo.

Perspectivas de futuro:

Habrá una cuarta temporada de Misfits, aunque sin Simon (Iwan Rheon) ni Alisha (Antonia Thomas), lo que ensombrece un poco las esperanzas en el futuro de la serie. Aún así, capítulos como el de la dictadura nazi o la invasión de animadoras zombies hacen confiar en que pese a los cambios la serie siga manteniendo esa esencia divertida e irreverente que la hace única. Sara.

Semana de las series: Downton Abbey

2012-01-04T19:34:00.000+01:00

Hoy repasamos la serie inglesa que más éxito de crítica ha tenido en los últimos tiempos. 'Downton Abbey' tiene dos temporadas, quince episodios de cincuenta minutos y un reparto de más de veinte actores y actrices que aparecen en la serie de manera regular. Y es magnífica.

De qué va:

Si te gusta todo lo de Jane Austen y no te has perdido un capítulo de ‘Upstairs, Downstairs’, ‘Downton Abbey’ es, con casi total seguridad, tu serie. La abadía de Downton, propiedad del Conde Grantham, es el escenario de las intrigas de la familia Crawley. Un matrimonio feliz, tres hijas solteras (en principio), un nuevo heredero, un ferviente mayordomo y un apasionante mundo de sirvientes en el subsuelo del palacio son los ingredientes del pastel. Los problemas financieros y amorosos de la familia y su entorno se desarrollan con celeridad mientras los acontecimientos históricos se suceden de fondo (hundimiento del Titanic, I Guerra Mundial, el movimiento sufragista…).

Por qué hay que verla:

La perfecta mezcla entre las delicias de un planteamiento en temas y ambientación, y una narrativa moderna, ágil y con frecuentes cambios de giro, ha convertido a ‘Downton Abbey’ en la serie que ven los más jóvenes en el ordena y nuestras abuelas en Antena 3. Todo un clásico de la televisión más contemporánea.

El reparto, a la altura de la mejor escuela de interpretación inglesa, consigue sostener el argumento coral sin que este flaquee por ningún lado: todos los actores y actrices parecen perfectamente elegidos para su personaje. El guión, por su parte, fluye de manera inteligente mediante el habla de los personajes, perfectamente adecuada a la época con un inglés rico en expresiones de cortesía que esconden muchas veces un gran sentido del humor.

El personaje:

En una serie tan coral hay un gran plantel de personajes a los que elegir como favoritos, pero las parejas que sufren un amor prohibido se ganan rápido el amor de los espectadores: el misterioso John Bates y Anna, la feminista Sybill y el chófer, y sobretodo la pareja por excelencia de la serie, Mary y Mathew, con sus pasiones y desencuentros ininterrumpidos a lo largo de la serie.

Sin embargo, el personaje más querido por el público es sin duda alguna la matriarca de la familia, Violet Crawley (interpretada por Maggie Smith, McGonagall en 'Harry Potter'). Desde su posición de aristócrata sorprendida por el avance de los tiempos, la prima Violet nos ha regalado los mejores momentos de humor de la serie, con sus inocentes preguntas (¿What is a weekend?), o sus consejos a las nietas (Don’t be defeatist, my dear, it’s very middle class).

-¿En qué estoy sentada?
-Es una silla giratoria
-¿Otro invento moderno?
-No es muy moderno...fue inventado por Thomas Jefferson.
-¿Por qué todos los días tiene que haber una pelea con un americano?
-Le traeré otra
-Es igual, soy buena marinera.

Perspectivas de futuro:

Downton Abbey culminó su segunda temporada con un especial de Navidad emitido el día 25 que fue el regalo perfecto para sus seguidores. Con la historia entre Mary y Mathew en un nuevo estado, la tercera temporada se hace esperar para septiembre de 2012.

Semana de las series: New Girl

2012-01-03T14:36:00.003+01:00

Para iniciar la primera semana del año, 24 reflejos ha decido dedicar cada día de la semana a una de esas series que no te puedes perder. Los mejores estrenos y recomendaciones de la temporada. Y sin más preámbulos, hoy martes: 'New Girl'

#día 2: New Girl
Esta serie que inició su andadura el pasado septiembre, comienza cuando Jess (el personaje principal interpretado por Zooey Deschanel) es engañada por su novio y tiene que mudarse y comenzar una nueva vida en un piso compartido con tres hombres solteros que, aunque reticentes al principio, se convertirán en los compañeros y amigos de esta extravagante y carismática muchacha a la que nada le sale bien.

Con este planteamiento, 'New Girl' surge como un canto al optimismo y a la superación ya que el espectador podrá conocer de forma tremendamente divertida a esta profesora de primaria y su particular mundo de piruleta y algodón de azúcar en forma de lazos y vestidos naif.

Motivos para verla

Uno de los principales motivos para ver esta serie de la Fox es, sobre todo, su protagonista: Zooey Deschanel más conocida por su carrera como cantante que por su actuación en 500 Days of Summer (2009), Yes Man (2008) y Your Highness (2011), en poco tiempo, se ha convertido en una de las actrices del momento gracias a su cara angelical, su dulce voz y su genial vis cómica que le permiten reírse constantemente de ella misma y de lo que le rodea.

Con su particular afición a cantarse a sí misma y siendo incapaz de decir “pene” sin usar un eufemismo, Jess se irá enfrentando a situaciones completamente disparatadas de las que sólo pueden pasar en las 'sitcom' estadounidenses y conseguirá enamorar al espectador desde el minuto uno.

Zooey Deschanel (Jess) con Max Greenfield (Schmidt), Jake M. Johnson
(Nick) y Lamorne Morris (Winston)

La serie cuenta con la participación de los coprotagonistas Jake M. Johnson (Nick), Max Greenfield (Schmidt), Lamorne Morris (Winston) y Hanna Simone (Cece) que, capítulo a capítulo, van fortaleciendo su relación y acaban formando una disfuncional familia que, para proteger a Jess, hacen locuras como cantar a voz en grito en un restaurante, ponerse gorros de los más curioso o despertar a todo un barrio pasada la medianoche. Sin embargo, estos personajes, a veces quedan flojos, no teniendo ni la mitad de gracia que Jess que, por suerte siempre está ahí para levantar la situación.

Otro de los principales motivos para ver 'New Girl' es su corta duración. Con capítulos de veintipocos minutos cada uno, es una serie perfecta para seguirla sin que se te vaya la vida en ella y sin abandonar tu trabajo/carrera/amigos/pareja...

¿Qué ofrece?

Foto promoción New Girl

A pesar de no ser una serie que marcará tu vida, ni de la que puedes esperar una gran revelación, 'New Girl' es exactamente lo que parece: una comedia amena y sencilla que, sin muchas pretensiones, te entretiene y te deja buen sabor de boca para un rato largo de día.

Semana de las series: Once upon a time

2012-01-02T17:12:00.002+01:00

#día 1: Once Upon A Time

Imagínate un pueblo donde viven Blancanieves, Pepito Grillo, Cenicienta, el Príncipe Encantador y por supuesto, una reina malvada. Parece el mismo cuento de siempre, ¿no?Ahora imagínate que ninguno de ellos recuerda su pasado y viven sin saber que son los sujetos de una maldición que les ha alejado de su mundo mágico y les ha provocado olvidar su auténtica identidad. Pero un niño, el hijo adoptivo de la causante de todo esto, la Reina Malvada, empezará a atar cabos y encontrará a su madre biológica, el papel interpretado por Jennifer Morrison ('House'), que es la clave para deshacer todo este entuerto.

¿Por qué hay que verla?

Pepito Grillo sujetando una chocolatina Apollo

Este serie es heredera de esa larga lista de animaciones que viven siguiendo la estela de 'Lost' . Este si acaso, con más razón, ya que dos de los creadores y productores provienen de esta serie que hizo historia: Adam Horowitz y Edward Kitsis. La estructura narrativa es igual, cada capítulo se centra en un personaje e intenta desenmarañar a base de flahsbacks, su pasado en el mundo del que provienen. Esto da pistas a los espectadores para entender como se mueven en este mundo real, y donde están las claves para deshacer el conjuro. Los guiños a 'Perdidos' son numerosos, entre ellos la anécdota de utilizarla utilizar las chocolatinas Apollo, aquellas que tanto gustaban a Hurley comer en la isla.

Ginnifer Goodwin como
Blancanieves en el mundo real

Por otro lado con mayor o menor fortuna, intentan darle una vuelta de tuerca a los personajes de los cuentos tradicionales. Aunque siguen habiendo personajes maniqueos, nos encontramos, por ejemplo, con una Blancanieves luchadora (Ginnifer Goodwin, 'Big Love') que no está esperando a que su príncipe azul la salve, si no que es sujeto activo de su destino (aunque no han avanzado lo suficiente para que el amor de su príncipe azul no sea leit motiv de esta trama). Y los malos, siguen siendo malos, pero con matices, con debilidades y sentimientos de amor, compasión y por supuesto odio.

Aunque hay que avisar que esta primera mitad de temporada ha sido un tanto irregular con capítulos muy buenos y otros un poco aburridos. A pesar de ello, antes del parón navideño en EE.UU. se emitió el que puede ser el mejor capítulo de la temporada. Esperemos que a la vuelta de las fiestas haya un capítulo que recoja el testigo con el mismo nivel.

Los que tienen todas las de perder

Los malos en esta serie son los ejes de la misma y los personajes más complejos. Por un lado está Rumplestiltskin (Robert Carlyle, 'Fullmonty'). Él se dedicaba a hacer tratos con los personajes mágicos pero con la máxima de "que toda magia tiene un precio". Así, siempre ganaba en los pactos y siempre le debían favores. Para conseguir el conjuro que hiciese posible trasladar a todos estos personajes al mundo real tuvo que hacer un trato con la Reina Malvada. Ella consigue lo que quiere pero a costa de que siempre le tenga que conceder lo que Rumplestiltskin le pida. Sin embargo, ambos son conscientes de que con este conjuro todos, salvo ella, perderán la memoria en el nuevo mundo. ¿Cuánto sabe Rumplestilskin?¿Porqué hizo ese pacto, si siempre se guarda un as en la manga para ganar?

La Reina Malvada

La Reina Malvada (Lana Parrilla) también tiene muchas cosas que esconder. Por un lado sabemos que tiene una cuenta pendiente con Blancanieves ya que siempre destaca su odio incondicional hacia ella y hace referencia a un hecho en el pasado, tal vez aquello que le hizo ser malvada, pero del que no sabemos nada. Por otro lado, en este mundo parece que lo único que quiere es tener una familia y ser querida. Aunque su hijo adoptivo, el que está moviendo tierra con Santiago para que todo el mundo descubra la verdad, dice que no le quiere, ella le cuida e intenta ser una buena madre para él. Parece que está haciendo lo posible para encajar, aunque cierto es que intuimos de lo que puede ser capaz para evitar que todos recuerden y conseguir su final feliz.

Cuentos de hadas y mundo real se entrelazan dando una nueva visión de estos personajes, descubriendo sus debilidades, sus pasiones y sus ambiciones. Por ahora, nadie parece creer al niño, ya que a todos les parece absurdo que pudiesen ser personajes de cuento, pero si lo descubren, ¿querrán volver a su mundo mágico?Parece imposible que puedan sobrevivir sin lo malos, ¿qué le queda a Cenicienta sin su madrastra, y a Blancanieves sin la bruja? tal vez un felices para siempre, o tal vez no.

Lo que 2012 nos trae

2012-01-01T20:09:00.002+01:00

Desde 24 Reflejos queríamos desearos un feliz año y, para aumentar vuestra ilusión por la entrada en el 2012, os comentamos algunos de los estrenos más esperados.

'La dama de hierro'

Biopic de Margaret Thatcher caracterizada magistralmente por la increíble Meryl Streep, que logra revivir a la política británica más polémica de la historia. Con este papel, la actriz se convierte, nuevamente, en una de las apuestas fuertes para los Óscar de este año, junto con otras dignas competidoras como Michelle Williams por 'My Week With Marilyn' y Glenn Close por 'Albert Nobbs'. En esta película, que podremos ver a partir del 5 de enero, se conocerá a una Thatcher más humana de lo que estamos acostumbrados y, no sólo por la interpretación del personaje, sino también por el sorprendente parecido físico conseguido.

'J. Edgar'

Y vamos con otro biopic político, pero esta vez, de la mano del director Clint Eastwood que nos acerca a la persona de J. Edgar Hoover, el creador del FBI tal y como funciona hoy en día y que, durante 48 años, fue considerado la persona más poderosa de EE.UU debido a su acceso a la información. El personaje, interpretado por un maduro Leonardo DiCaprio, nos muestra la doble moral utilizada por aquellos que ostentan cargos de responsabilidad. El reparto lo completan actrices de la talla de Naomi Wats y Judi Dench. Podremos verlo a partir del 27 de enero.

'El caballero oscuro: La leyenda renace'

La próxima película de la saga de 'El Caballero Oscuro', llegará a las pantallas el 27 de julio y será el cierre de la trilogía del director Christopher Nolan. De momento se desconocen los detalles del argumento de esta tercera entrega del Batman de Christian Bale, pero sí que se conocen algunos de los profesionales que formarán parte del reparto y se puede afirmar que no han escatimado en talentos con una actriz como Anne Hathaway que dará vida a la nueva Catwoman y otros como Michael Caine, Gary Oldman, Morgan Freeman, Tom Hardy, Joseph Gordon-Levitt y Marion Cotillard.

'El Hobbit: Un viaje inesperado'

Esta esperada película, retoma la historia de “El señor de los anillos”, anteponiéndose unas decenas de años antes de lo que se narra en la trilogía. De esta forma, cuenta el encuentro entre Bilbo Bolson, Gandalf y 13 nuevos enanos y sitúa en antecedentes algunos de los acontecimientos que formarán parte de la historia posterior que ya conocemos. Dirigida por Peter Jackson y con la increíble fotografía que lo caracteriza, 'El Hobbit' se estrenará simultáneamente en EE.UU y España el 14 de diciembre de 2012.

'My Week With Marilyn'

De momento sin fecha determinada en España, esta película promete ser uno de los bombazos de 2012, ya que se atreve a acercarse a la leyenda Marilyn Monroe, el mito sexual más importante del siglo XX. Además, como les comentábamos en una entrada anterior: “La creación del personaje está hecha a la perfección, mostrando a una mujer que enamora y desconcierta, cuya inocencia no se sabe si es real o fingida, cuya fragilidad atrae irremediablemente y que se encuentra en la línea entre la estupidez y el encanto”.

Los hechos más destacados de 2011 en 10 pelis

2011-12-29T12:12:00.002+01:00

Plaza Tahrir (El Cairo), foco del derrocamiento de Mubarak.

2011 no ha sido un año cualquiera, como ningún otro, pero especialmente por lo convulso y revolucionario del mismo. Puede que haya sido una batalla perdida, pero aún no lo sabemos. Lo real, lo cierto, es que más que nunca el mundo entero ha gritado hasta desgañitarse para hacerse escuchar. Un sistema podrido que nos oprime, realidades injustas y mucha vergüenza al ser conscientes de cómo estamos destrozando esta tierra. Podemos cambiar y debemos cambiarlo. 2011 fue el inicio de este cambio y esperemos que la lucha continúe por muchos más.

‘Cairo 678’

Un año antes de las revueltas árabes, Mohammed Diab rodó esta película, que cuenta la lucha de tres mujeres contra el acoso sexual en Egipto y sus métodos de autodefensa. Valientes e iracundas con una sociedad atrasada que viola sus libertades, los egipcios emprendieron una revolución desde la Plaza Tahrir que dio la vuelta al mundo.

‘El síndrome de China’

Cambiando a China por Japón, esta cinta de 1979 advertía de lo que ya sabíamos: que los peligros de la energía nuclear no pueden ser tomados a la ligera. La central de Fukushima volvió a poner el problema en el mapa de la actualidad.

‘La rosa’

Pese al abuso de las drogas, no a pocos nos pilló desprevenidos la noticia de la muerte de Amy Winehouse. Pensábamos, quizás, que lo de la sobredosis era cosa de décadas pasadas. Los malditos 27 le acercan a esta película, ficción de los últimos días de otra grande, Janis Joplin.

‘La haine’

Los primos ingleses cogieron el testigo de Said y los suyos en los disturbios con la policía en los suburbios de Paris que narraba ‘La Haine’ (el odio). También ‘Attack the block’, estrenada apenas meses antes, se situaba en los ojos de los adolescentes encapuchados de los estates londinenses y daba cuenta de su rabia y falta de futuro.

‘La vaquilla’

La doble ración de elecciones que hemos vivido en 2011 ha traído tantas peleas dialécticas, escenitas y disparates como los que anunciaba Berlanga en ‘La vaquilla’, con dos bandos que desde supuestas posturas divergentes acaban coincidiendo en el mismo pantano: PPSOE.

‘Un señor de Murcia’

Quién mejor que Garci, que una vez fue definido en una clase de Historia del Cine Español como único director de cine español de derechas, para dar la enhorabuena a un país superpoblado con gaviotas. ‘Un señor de Murcia’, tradicional, castizo, machista, de derechas, es el que está detrás de todo esto: es el votante del PP.

‘V de Vendetta’

Y llegó la revolución. O al menos así lo soñaron las personas que salieron a la calle en masa, sorprendidas por la afluencia de las protestas. La máscara de V, un antisistema que atentaba contra el poder y por la anarquía, ha estado presente en las revueltas que empezaron en la Puerta del Sol y se expandieron a todo el mundo. Guy Fawkes, ese rebelde que intentó atacar el Parlamento –un parlamentarismo en crisis, con la democracia al servicio de los mercados- sonríe desde todos los rincones donde se alberga el movimiento Occupy, que son muchos.

Sol (mayo 2011), nacimiento del 15M.

‘Hércules’

El mismo fin de semana en el que una boda real unía al príncipe Guillermo y a Kate Middleton, Osama Bin Laden fallecía bajo la atenta mirada de Obama en los Estados Unidos. “El príncipe se ha casado y el malo ha muerto, es una semana Walt Disney”, rezaba el grupo de Facebook. Quién mejor que Hades (rey de los infiernos) para encarnar al villano por excelencia del siglo XXI, el hombre que hizo temblar al imperio.

‘La vida de Brian’

Fue la película más programada por los cines alternativos que recibían con manifestaciones la visita del Papa en Madrid. El aluvión de personas que llegó con la JMJ en la semana más tórrida de agosto, inundando calles con procesiones y transporte público con cánticos, sólo podía ser aliviado con el humor de los Monty Python.

‘Cinco metros cuadrados’

El problema de la burbuja inmobiliaria española es tan grande que sorprende que no hayan salido más obras como esta. ‘Cinco metros cuadrados’ se estrenó en el momento justo en el que el tema de la vivienda sigue estando en el ojo público, con el problema de los desahucios, en los que las perjudicadas son siempre personas que quedan a merced de las grandes empresas y los bancos, los que nunca pierden.

Conociendo a Michael Fassbender

2011-12-28T10:15:00.000+01:00

Brandon (Michael Fassbender) en el metro observando a una joven en una escena de 'Shame'.

Si hace un año hubiésemos preguntado quién es Michael Fassbender serían pocas las personas que sabrían responder. Sin embargo, Hollywood se renueva y con ella sus estrellas. Fassbender, actor irlandés de ascendencia alemana, ha conseguido ser uno de los actores más nombrados en el último año.

Shame y Fassbender: más que un actor de moda

He de reconocer que hasta hace 3 meses desconocía la presencia de este actor. Fue gracias al Festival de San Sebastián que entró en mi vida. La afamada Shame ya traía una larga cola de críticas muy favorables, sobre todo a su interpretación. Ganó la Copa Volpi (Premio al Mejor Actor) en el Festival de Cine de Venecia y ha obtenido otros 5 premios a su trabajo como actor en esta obra. Para algunos maestra, para otros monstruosa. Sin duda, hay que verla.

Shame es inquietante, intensa, dulce y desconcertante. Su interpretación, sumada a la dirección de Steve McQueen y una música espectacular consiguen el efecto deseado. Se ha dicho de todo sobre el contenido del film, que trata sobre la “vergüenza”, “la adicción sexual”, de “una dañina dependencia”…, pero todo se queda corto. Habrá que esperar a 2012 para saber la opinión del público en España.

Antecedentes cinematográficos

Todos le hemos visto en pantalla grande aunque no recordemos dónde. No sabíamos ni su nombre y ya hemos disfrutado de su presencia en muchas películas e incluso en series.

La primera sorpresa es averiguar que formó parte del elenco de Band of Brothers (2001), serie sobre la II Guerra Mundial, producida por Steven Spielberg y Tom Hanks. Un trabajo impresionante que merece la pena rescatar. En España se pudo ver a través de Canal +, pero su repercusión fue nula. Siguió trabajando para televisión hasta que llegó 300 y su papel de Stelios, donde también pasó desapercibido.

Es gracias a McQueen que Fassbender adquiere su primer papel protagonista en el cine. Y menudo papel. Hunger (2008) es la película que le consagró. Este joven actor interpreta a Bobby Sands, miembro del IRA, parlamentario británico y líder de la huelga de hambre que le llevó a la muerte. McQueen plasma a través de Fassbender la huelga de hambre de 1981, los últimos días de Bobby Sands y su repercusión internacional. Una película silenciosa, desgarradora y agobiante que rompe todos los esquemas. Apenas fueron siete los premios que obtuvo por su interpretación. Se dice rápido. En realidad era un actor que ya apuntaba maneras. Pero una mala distribución de la película es lo que tiene. De hecho, en España continúa inédita.

También se le pudo ver en Fish Tank (2009), Malditos Bastardos(2009), X-Men: First Class (2010) y en este último año no ha parado. Prueba de ello son la última de Cronenberg Un Método Peligroso, Jane Eyre y la esperada Shame que llegará a España en febrero. Parece que a Fassbender se le han abierto las puertas del cielo y con toda la razón. Esperemos poder disfrutar de él durante varios años con regalos como Hunger o Shame. Parece que el dúo McQueen & Fassbender aún tienen mucho que ofrecer.

Avances y curiosidades

Para el próximo año se podrá ver en pantalla no sólo Shame (febrero) sino que también aparecerá en Prometheus (junio), lo último de Ridley Scott. También se le nombra a la hora de hablar del nuevo proyecto de Aronofsky del que se rumorea le ha propuesto el papel de Noé a Fassbender tras el rechazo de Christian Bale, así como de sustituir a Daniel Craig en el papel del súper agente especial James Bond. Esperemos que la fama no se le suba a la cabeza y sea capaz de elegir personajes hechos a su medida.

Y, por supuesto, ya hay un proyecto en marcha en el que volverán a unirse el talento de McQueen y la interpretación de Fassbender, el nombre será Twelve Years a Slave. Cuenta la historia de un hombre de Nueva York secuestrado en 1841 en Washington y liberado 12 años después en una plantación de algodón de Luisiana. A este proyecto también se suma el nombre de Brad Pitt. Habrá que estar atentos.

Además, buscando en Internet se puede ver un anuncio de cerveza protagonizado por Michael Fassbender antes de saltar a la gran pantalla. Un amigo así merece la pena. Y no deja de ser divertido verle bailando en la serie Wedding Belles o su sorprendente transformación en un video clip de The Cooper Temple Clause.

2011, un gran año para... Jessica Chastain

2011-12-27T18:24:00.001+01:00

Sin duda este ha sido un gran año para esta actriz californiana, y sin embargo, a muchos no os sonará el nombre para nada. Prolífica como pocas, mucho más que una cara bonita, Jessica Chastain cierra el mejor año de su carrera y se enfrenta a un 2012 que se vislumbra, al menos, igual de positivo.

Jessica Chastain en "El Árbol de la vida"

El pistoletazo de salida a este año lo hizo con una película que,aunque no recibió malas críticas, pasó sin pena ni gloria: 'La Deuda', que co-protagonizaba con otra de esas caras seminuevas del cine de ahora, Sam Worthington, y con una veterana, Hellen Mirren. Thriller psicológico que la situó en el mapa cinemátográfico. Se estrenó en España el 8 de septiembre, sólo hace unos meses. Ocho días después estrenaba el film más polémico del 2011: 'El árbol de la vida' . Esta película empezó a colocar su nombre entre las críticas cinematográficas de todo el mundo.

Escena del film Criadas y Señoras

A finales de octubre llegaba 'Criadas y Señoras'. En esta película mucho más comercial que el film de Malick, interpreta a una mujer ingenua que solo quiere encajar, un personaje puramente bueno, que solo quiere ser una buena esposa y que contrata a una criada negra, de la que se hará su amiga. En esta película las protagonistas son Emma Stone (otro nombre que se ha afianzado este año) y Viola Davis, pero dejaron que Chastain brillara en algunas escenas. Una película un tanto moralista pero que te deja un buen sabor de boca para una tarde tonta en tu casa.

Esto es todo lo que hemos visto de esta pelirroja estadounidense, pero tan importante es lo que ha llegado como lo que está por llegar. 'Take Shelter' aún no se ha estrenado en España, pero ya ha cosechado premios en diversos festivales internacionales y en Cannes recibió el premio FIPRESCI de la semana de la crítica. Jeff Nichols dirige a nuestra protagonista en una cinta que mezcla los géneros thriller y drama con toques de terror para contarnos la historia de Curtis(Michael Sammon) que empezará a tener alucinaciones apocalípticas y llevará por la calle de la amargura a su mujer (nuestra homenajeada) y a su hija.

'Coriolanus' es otra de las películas que ha estrenado en EE.UU. este último mes y que aún no tiene fecha de estreno en España. Película dirigida por Ralph Fiennes. Basada en una obra de William Shakespeare nos acerca una tragedia con todas las de la ley, pero ambientada en nuestros días. También la fichó otro actor pasado a director que adapta una obra de teatro de otra figura de los grandes. Hablamos de Al Pacino y su adaptación 'Wild Salome' de Oscar Wilde. Ella le da la réplica a Al Pacino, ya que también la protagoniza. Y bajando un poquito el listón, también nos llegará 'Texas Killing Fields' en los próximos meses, película de asesinatos en los pantanos de Texas donde ella es el 50% de la pareja de policías que tendrá que resolver el caso. Repite compañero y el otro 50% es Sam Worthington.

Las que acabamos de nombrar son las que van a llegar de forma inminente, pero esta chica dará más que hablar en el 2012, ya que en fase de post-producción cuenta con un drama llamado 'Tar', una de terror 'Mama', 'Wettest Country' con Gary Oldman y el próximo proyecto a estrenar de Terrence Malick en la que actúa con Ben Affleck, Rachel McAdams, Rachel Weisz y Javier Bardem, entre otros.

Así que como veis no pocos son los méritos para que esta chica acabe el año con una sonrisa de oreja a oreja. Solo le faltan los premios y el reconocimiento internacional. Igual ese es su deseo de año nuevo, pero seguro que sus peticiones son escuchadas, ya que aunque aún es un poco pronto, ya resuena su nombre como favorita para el Oscar a la mejor actriz secundaria y, aunque suene irónico, en realidad para muchos solo le queda saber por cuál de sus películas será nominada, ya que tanto en 'El árbol de la vida', 'Take Shelter' y en 'Criadas y Señoras', las críticas han sido más que favorables. Así que mucho se tiene que torcer la cosa para no tener a Jessica Chastain para rato.

Las 10 mejores pelis de 2011

2011-12-26T16:51:00.000+01:00

¿Pensabais que íbamos a escapar de la fiebre de las listas? 24Reflejos se apunta en la última semana del año a seleccionar las diez películas que más nos han gustado.

10. 'La piel que habito', Pedro Almodóvar

En su día, dijimos: "Cuenta una dura historia con una sobriedad en las interpretaciones, decorado y fotografía a la que Almodóvar no nos tiene acostumbrados. Esta austeridad visual deja espacio para un argumento opresivo y terrorífico que recurre a la transexualidad (como una de las marcas de la casa del director) pero que, esta vez, es usada de manera perversa en un juego de venganza y sufrimiento.

Nos situamos ante, posiblemente, en la película más madura del director hasta la fecha, pero en la que aún así todavía hay algunos flecos que cortar".

9. 'Melancolía', Lars von Trier

En su día, dijimos: "Pedazos de vidas ajenas, a veces inconexos, pero adictivos. Imágenes de belleza agobiante y angustiosa. Sensaciones contrapuestas: la asfixia de saber que el mundo va a terminar y la belleza de esa imagen aterradora y escalofriante que es Melancholia, el planeta oculto que acabará con la humanidad y la Tierra. La sensación que deja en el cuerpo del espectador es indescriptible".

8. 'Las Constituyentes', Oliva Acosta

En una entrevista a su directora, Oliva Acosta, nos dijo: "He sentido que conectaba con una forma de hacer y de ser política que es muy poco habitual hoy en día. Si la política no representa suficientemente a más de la mitad de la población, que somos las mujeres, ¿Cómo vamos a creer en la política? Sería una política coja, tuerta, manca…donde no estamos representadas".

7. 'Shame', Steve McQueen

Sin crítica aún de esta película, nos remitimos a lo que contamos en las crónicas del festival de San Sebastián: "Shame', de Steve McQueen, es un asunto peliagudo y que requiere de más explicación, ya que la propia redacción no se pone de acuerdo: hay quien cree que es la mejor película del festival, hay quien pegaría a quien se atreva a mencionar el nombre del director.

6. Drive, Nicolas Winding Refn

También vista en San Sebastián, de 'Drive' dijimos: "es elegante, sexy y sangrienta. Lo que podía haber sido otra película de coches, velocidad, mafia y muerte, consigue sorprender e hipnotizar al público gracias al compendio de los personajes protagonistas (Ryan Gosling y Carey Mulligan), la música, el sonido y una estética ochentera".

5. Nader y Simin, una separación, Asghar Farhadi

Esta película iraní ha sido una de las revelaciones del año en cuanto a festivales: "Un matrimonio deshecho, un accidente, un juicio y muchas mentiras son algunos de los puntos de esta ruta, donde no hay ni buenos ni malos ni soluciones ideales. Una película totalmente recomendable que algunos críticos han querido acercarla, por su forma de narrar, al estilo hitchconianio. Una película que sin grandes aspavientos te deja atrapada en la butaca y que empieza como acaba, con una decisión".

4. Midnight in Paris, Woody Allen
En su día, dijimos: "Woody nos regala una de sus geniales historias con muchos ingredientes del mejor Allen en una película muy divertida, que consigue que salgas del cine totalmente satisfecho y con una sonrisa de oreja a oreja. Qué grande es el cine".

3. Le Skylab, Julie Delpy

Ganadora del premio especial del Jurado de San Sebastián, esta película llegará a los cines españoles en 2012. Esto es lo que dijimos de ella:

"La directora y actriz francesa Julie Delpy encandiló al Festival con la historia, declaradamente autobiográfica, de Albertine, una niña de 11 años que se junta con su numerosa familia a pasar un fin de semana en una casa de campo en la Bretaña francesa con el motivo del cumpleaños de la abuela-matriarca familiar, todo ello salpimentado con la amenaza de la caída de la estación espacial ‘Skylab’ a la Tierra en el 79 […] Así, Le Skylab llegó a San Sebastián como un soplo de aire fresco".

2. Cisne negro, Darren Aranofsky

Cómo olvidarse en el top 10 de lo mejor del año de la película que le dio la vuelta para siempre a la historia del Lago de los Cisnes. Así comenzaba nuestra crítica:

"Aún conservo presente el efecto que deja el Cisne Negro, ese que solo pocas películas saben lograr, ese que hace que con el paso de las horas aún sigas dándole vueltas. Ese eco que acompaña a la sensación de salir del cine satisfecho, con la certeza de haber visto una película fuera de lo común. Una película dura, oscura, inquietantemente elegante, cercana y electrizante, que te envenena un poco con ella, que te marea a cada vuelta de baile, que duele y hace sentir miedo, un miedo que todos llevamos dentro, que Aronofsky conoce y explora en cada una de sus películas, buscando el límite humano como solo él sabe hacerlo en pantalla, un viaje hacia los demonios interiores, universales en las personas pero íntimos y solitarios en cada individuo, ese ángel negro que todos portamos y que en esta ocasión tiene plumas de más.

1. The artist, Michel Hazanavicius

Y lo mejor del año para 24Reflejos es esta película que todo el mundo comenta. Original, divertida, emotiva y tierna, The Artist es la película muda y en blanco y negro que conquistó corazones de espectadores en plena era del 3D y el cine original.

Esto es lo que os contamos en su momento: "The Artist no solo se ha llevado el premio del público en San Sebastian, el premio a la mejor peli del Festival en nuestro ranking particular, si no que es una de esas películas que no vamos a dejar de recomendar. El cine hablando sobre el cine de una de las más hermosas formas".